Categoría: Noticias Internacionales

El músico británico falleció a los 69 años, víctima de una penosa enfermedad. “Paul era una persona encantadora y un buen amigo”, resaltó ‘La Doncella’.

Luto en el heavy metal. El músico británico Paul Mario Day, vocalista original de la legendaria banda Iron Maiden, falleció en la ciudad australiana de Newcastle, donde residía desde hace años.

El cantante murió el martes, 29 de julio, a los 69 años tras una larga lucha contra el cáncer, confirmaron las distintas bandas que integró a lo largo de su carrera.

El primero en comunicar esta lamentable pérdida fue el músico y compositor galés Andy Scott, con quien Paul Mario Day integró la banda de glam rock The Sweet.

“En 1985, Mick Tucker y yo formamos la primera formación de Sweet tras la pausa de la banda original. Necesitábamos un cantante y cuando Paul llegó para la audición, no buscamos más”, recordó Scott en un comunicado publicado en las redes sociales de su banda.

“Paul Mario Day fue el cantante original de Iron Maiden y formó parte de la banda More antes de unirse a Sweet. Falleció en paz en su casa de Australia. Mi más sentido pésame a su esposa Cecily, a su familia y amigos. Es un día triste para todos los fans de Sweet”, añadió.

La banda More, otra de las agrupaciones que Paul Mario Day integró durante su prolongada carrera, también se pronunció sobre el fallecimiento del cantante.

“Nos entristece profundamente saber del fallecimiento del gran vocalista de More, Paul Mario Day. Paul fue una figura clave en la NWOBHM (Nueva ola del heavy metal británico, por sus siglas en inglés), desde su participación en una de las primeras versiones de Iron Maiden hasta su fantástica actuación en el álbum Warhead”, destacó la agrupación.

“Fue una figura muy querida del rock británico y ofreció muchos conciertos memorables. (…) Es un honor para nosotros seguir interpretando su música y siempre pensaremos en él cada vez que toquemos las primeras notas de Warhead. Enviamos nuestras más sinceras condolencias a la familia y amigos de Paul, así como a los numerosos fans de todo el mundo que aman su música”, agregó.

Finalmente, este miércoles, Iron Maiden emitió un comunicado en el que compartió su pesar por el fallecimiento de Paul Mario Day.

“Nos entristece profundamente el fallecimiento de Paul Mario Day, el primer vocalista de Iron Maiden, en 1975. Nuestro más sentido pésame a su familia y amigos. Paul era una persona encantadora y un buen amigo”, resaltó ‘La Doncella’.

En su publicación, la banda compartió imágenes de Paul Mario Day en sus años con Maiden, así como una fotografía de un reciente encuentro.

Paul Mario Day y Iron Maiden
Paul Mario Day fue el vocalista original de Iron Maiden, desde diciembre de 1975 hasta octubre de 1976. No llegó a grabar ninguno de los discos de ‘La Doncella’, aunque posteriormente reclamó la autoría de la canción Strange World, incluida en el primer álbum de la banda.

En el documental The Early Days, lanzado oficialmente por Iron Maiden; se mencionó que Day fue despedido de la banda por su falta de carisma en el escenario. El cantante fue reemplazado por Dennis Wilcock, que tampoco se quedaría en ‘La Doncella’ mucho tiempo; ya que su puesto quedó en manos de Paul Di’Anno, quien fue el vocalista de Iron Maiden en su álbum debut.

Tras su salida de Iron Maiden, Paul Mario Day formó -en 1981- la banda de heavy metal More, tras lo cual integró la agrupación Wildfire. Luego, en 1985, se unió a la reconstrucción de The Sweet. Posteriormente, colaboró con distintas bandas de Australia, país donde residía.

Pese a la enfermedad que sufría, estuvo activo hasta sus últimos días. De hecho, en junio pasado, lanzó el single Unwanted Guest, considerada su canción de despedida.

Fuente: Diario RPP

La dupla presenta en Lima el disco en vivo ‘Desde que te Madrid’ y opinan. “La cultura siempre es resistencia y este momento es para resistir”.

La primera vez que Kevin Johansen y Ricardo Liniers compartieron un escenario fue en 2008. El historietista dibujaba mientras el argentino-estadounidense seguía el repertorio. “No sabía exactamente qué hacer. De los nervios, el pánico y la adrenalina, me salió un personaje que se hacía el gracioso y, ante la sorpresa mía la gente se reía. Al final del show, Kevin me dijo: ‘tienes que acostumbrarte a las risas y entenderlas como aplausos. Así que tenme paciencia’. Yo pensé que me iba a matar por todas las tonterías que hice y dije durante el show’”, declara a La República.

La dupla vuelve a Lima como parte de una gira en la que presentan el disco Desde que te Madrid y el libro Es nuestra forma de comunicarnos. “Me persiguió durante años, era fan. Escondía un secreto anhelo de estar en el escenario, a toda costa. Le escribió a Charly (García), a Pedro Aznar, les escribió a todos; creo que hasta al Puma Rodríguez”, bromea la voz de S.O.S. tan fashion en una pausa de sus presentaciones.

¿Cuándo nace la idea del disco Desde que te Madrid? Tienen ambos el 50% de los derechos de autoría.

Liniers: Sí, le dije que como lo que yo hacía no se escuchaba, no hacía falta ‘Kevin y Liniers grande’, con Liniers chiquito yo ya estaba feliz. Pero él me dijo: ‘no, es nuestro disco, es nuestro show, así que vamos a medias’. Era el final de una gira por Europa que habíamos disfrutado mucho. Así que me puse a dibujar porque dije: ‘bueno, ya que no se oye lo que yo hago, tengo que meter dibujos por todos lados y dibujé una historieta por cada canción del show, así que eso terminó en un libro, un disco y un vinilo’.

Johansen: Primero debo aclarar que todo lo dicho por Liniers es mentira. Estamos en litigio, tenemos contrato también de no mirarnos a los ojos. De hecho, cuando yo canto, aparentemente emocionado, con los ojos cerrados, es para no ver los dibujos que está haciendo.

¿Qué piensan de la llegada de la inteligencia artificial a la música y al arte, en general?

Johansen: Estoy muy ilusionado con la inteligencia artificial porque no me someteré más al yugo de los dibujos de Liniers. Estoy luchando a favor para que por fin pueda descartar al socio, entre comillas, que tengo.

Liniers: Ahora estamos con el síndrome del juguete nuevo. Hay cosas que antes hacían las personas que van a terminar haciendo las máquinas. Pero lo que nos tenemos que preguntar es por qué consumimos arte. Lo que nos interesa es la humanidad; no es el producto sino el proceso. Y esto de la inteligencia artificial pareciera saltarse el trabajo; a veces toma años armar un estilo, un punto de vista, una estética. Entonces, hay algo medio inmoral, me parece, en querer el resultado sin el esfuerzo de una obra artística.

Llegan a Perú en un momento de crisis social y política. Algunos artistas han protestado. ¿Qué papel cumple el arte en momentos como este?

L: Sí, desgraciadamente en Argentina también tenemos un momento político en el que la gente piensa que el arte y la cultura no tienen mucho valor, porque no le ven el valor comercial. Si puede hacer un negocio alguien haciendo cultura está muy bien, pero un Estado no es eso solamente; no somos máquinas las personas, no somos solamente el producto bruto, también somos una cultura que se va generando, ¿no? En Perú tienen arte y su literatura se seguirá leyendo. Entonces, lo que genera la cultura es algo que queda para la gente después; no es un gasto, es una inversión y, desgraciadamente, los políticos tienen una tendencia a medir todo como gasto y no entienden que una inversión puede ser algo, inclusive si uno está midiendo todo con la billetera, a futuro redituable. Porque te aseguro que Tintín a los belgas les deja mucha más plata que, seguramente, varios dueños de bancos que fundieron a gente.

J: Se sabe que la cultura siempre es resistencia y la verdad es que es un momento para resistir. El hecho creativo es un hecho de resistencia, así que estamos todos viviendo momentos complicados, momentos de mucho intento de barrer con todo, con cosas y luchas logradas. Y bueno, es el claro ejemplo que nunca hay que bajar los brazos y seguir luchando por los derechos de las personas. Todos tenemos derecho a la cultura

Fuente: Diario La República

El norteamericano Julian Schwarz es una de las nuevas figuras de la música clásica en el mundo. El violonchelista dará su primer concierto en Lima el próximo martes 5 de agosto en el Teatro Municipal. La República conversa con Julian Schwarz sobre sus inicios y el repertorio que ofrecerá en su presentación.

Pese a la situación por la que atraviesa el país, en donde la polarización, la inseguridad y las desigualdades persisten, no hay que dejar de subrayar, y en ese aspecto, La República ha incidido todas las veces posibles, que la producción cultural está transitando por un buen momento. Estamos siendo testigos de buenas temporadas de teatro, atractivos festivales de cine, muestras plásticas que consolidan a sus exponentes, producción editorial para todos los gustos y conciertos de música clásica del más alto nivel. No son manifestaciones aisladas; hay una sintonía en su colectividad. Si este buen momento existe, se debe a que hay una demanda, un público que consume cultura.

En este marco, el próximo martes 5 de agosto, hará su debut en Lima el joven violonchelista estadounidense Julian Schwarz en el Teatro Municipal de Lima, con un repertorio que incluye piezas de Camille Saint-Saëns y Antonín Dvořák. Julian Schwarz la viene rompiendo en los escenarios más exigentes del mundo y su presentación en Lima no solo cautivará a los melómanos, sino también la misma es una invitación al público en general. No se necesita ser conocedor para disfrutar del gran arte. Basta con que este transmita y suscite revoluciones internas.

Julian Schwarz nació en una familia de músicos. Su padre, Gerard Schwarz, es un reconocido director de orquesta; su madre, Jody Schwarz, es una flautista no menos saludada; y su abuelo, Sol Greitzer, fue un prominente violista de la Filarmónica de Nueva York hasta 1985. Son nombres que pueden motivar a cualquier músico, pero igualmente intimidar, en especial cuando se carga con la herencia del prestigio. Al respecto, Julian Schwarz le dice a La República:

“La música era parte integral de la vida cuando crecí. La música clásica era casi una religión, y se le daba un lugar importante y respetado en mi casa. El amor por el arte surgió de esa exposición temprana, y ahora realmente siento que mi generación (yo y mis primos) estamos continuando la tradición, como si se tratara de un negocio familiar. Mi comprensión de la música se originó en la repetición: escuchar las mismas obras una y otra vez, asistiendo generalmente a cuatro conciertos sinfónicos por semana. La música se volvió parte de mí, y mis padres se tomaron muy en serio mi educación en los aspectos técnicos e interpretativos de la música”.

El violonchelo es un instrumento especial que requiere de muchísima paciencia y constancia. Eso lo tuvo muy presente Julian Schwarz cuando se decidió por él. Su primer concierto lo ofreció a la edad de 11 años y hoy en día, a la edad de 33 años, la crítica lo reconoce como uno de los violonchelistas más destacados de su generación. En este sentido, su presencia en Lima será un catalizador para los músicos peruanos, tanto para aquellos que recién están empezando como para quienes ya tienen experiencia. Julian Schwarz, además, es profesor del Shenandoah Conservatory (Virginia) y de la NYU Steinhardt School of Music de Nueva York. Sabe, entonces, lo que es dirigirse a los alumnos y, principalmente, de sus sueños que anhelan cumplir. Para el músico, se puede perder todo, menos la pasión. “Creo que es sumamente importante que los jóvenes músicos conserven su amor por el arte. Es difícil separar el negocio del arte en muchas disciplinas, pero hay dos aspectos que deben mantenerse: el amor por la música en sí y el amor por tu propia forma de tocar. Puede ser difícil amar tu propia interpretación cuando escuchas errores y estás en constante mejora. Pero, si no te gusta cómo tocas, ¿por qué debería gustarle al público? Los jóvenes deben aspirar a sonar como quieren que suene la obra. Le diría a un niño que siempre considere esto: si suena bien, entonces está bien. Muchas veces, los alumnos se esfuerzan con la disonancia cognitiva de hacer algo “correcto” que no lleva a los mejores resultados. Si el sonido está en su cabeza, encontrarán la manera de lograrlo, incluso si el camino es poco ortodoxo. Después de muchos años enseñando, realmente veo que los roles de maestro e intérprete son inseparables. En pocas palabras, tanto la interpretación como la enseñanza se complementan en mi vida. Constantemente descubro nuevas soluciones para mi ejecución al enseñar a mis alumnos, y también puedo usar mi experiencia práctica como intérprete para ayudarlos a prepararse para sus propios conciertos. Es una relación simbiótica. No impongo un estilo de interpretación, sino que abro un mundo de posibilidades para que el estudiante lo implemente desde su propia libertad artística”, precisa el violonchelista.

Como indicamos líneas atrás, Julian Schwarz interpretará piezas de Camille Saint-Saëns y Antonín Dvořák, maestros del Romanticismo que suscitan ecos epifánicos en él: “Puedo sentir la nostalgia de Dvořák en su Concierto para violonchelo, así como su deseo de innovar con un nuevo sonido clásico estadounidense. El hecho de que una persona a la que Dvořák amaba profundamente falleciera durante la composición le añade un elemento de añoranza a la obra, algo que intento transmitir en cada interpretación. En el concierto de Dvořák, se exploran prácticamente todas las emociones humanas, desde la tristeza profunda hasta una intensa y heroica euforia. Como solista, siento que estoy hablando como el propio Dvořák, contando su historia y experimentando sus emociones. El concierto de Saint-Saëns es una pieza de concierto mucho más ligera, pensada para mostrar la virtuosidad del instrumento. Por lo tanto, su rango emocional es más limitado, pero es muy placentera de escuchar e interpretar”.

Nuestro músico no es ajeno a las redes sociales, mucho menos a lo que acaece hoy en el mundo. Una mirada a ellas nos revela a un artista deudor de su tradición y la expone en momentos en los que impera lo políticamente correcto. “Al crecer como músico clásico judío, con frecuencia actuaba en la sinagoga, tanto en contextos litúrgicos como seculares. Hay elementos cantorales en mi manera de tocar, asociados con la gran tradición del canto judío. La conexión con la música clásica judía nació de esa afinidad y he promovido obras con vínculo judío en medio del auge mundial del antisemitismo”.

Los representantes de la música clásica, no son seres de otro planeta. Tienen las mismas costumbres de las estrellas del rock y otros géneros. Julian Schwarz conoce lo que es presentarse en conciertos ante distintos tipos de público. La misma cábala la aplicará para su primer concierto en Lima: “Mis hábitos y rituales están en constante cambio, ya que siempre busco lo que funciona para mí en cada etapa de la vida. Un aspecto que mantengo es la siesta por la tarde. Como músicos, necesitamos estar enfocados y en plena forma a las 10 de la noche. Eso es difícil después de un día largo de trabajo. Una siesta reinicia el reloj, y me resulta más útil despertarme de ella lo más cerca posible a la hora del concierto”.

La gran música de Julian Schwarz está en todas las plataformas.

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Entradas: a la venta en Ticketmaster. Desde 32 soles.

Fuente: Diario La República

“Joy Division, New Order y yo” es el sensible y feroz testimonio del hoy líder de New Order. Sumner lo cuenta todo y sin exagerar.

Abundan biografías, ensayos y estudios sobre cantantes y bandas, varios de ellos genuinas Biblias. Pensemos en la más completa biografía de Elvis Presley Último tren a Memphis / Amores que matan de Peter Guralnick; en los ensayos de Simon Reynolds, quizá el pensador que no solo mejor analiza el rock, sino también quien mejor escribe de él; en las memorias de Bob Dylan; y cómo pasar por alto la labor monumental de Mariano Muniesa, cuyos ensayos y artículos vienen signados por el sello de agua de la erudición; y en el ámbito local (citaré dos títulos), destacan Pedro Cornejo y su inhallable Alta tensión y, por supuesto, Demoler de Carlos Torres Rotondo.

De la variedad de registros que genera este tema, no pocos prefieren las memorias. Hay títulos monumentales y del mismo modo fallidos, como Vida de Keith Richards, quien no nos ofrece mayores aportes de lo que ya conocemos que hizo (excesos vitales) con la legendaria banda Rolling Stones.

New Order, Joy Division y yo (Sexto Piso) vendría a ser la trastienda de los grandes sucesos que signaron el devenir del punk y el wave a finales de los 70 e inicios de los 80. Es el testimonio visceral de Bernard Sumner, quien nos ofrece su legado sin guardarse nada, característica que la podemos ver desde las primeras páginas cuando nos habla de la relación con su madre paralítica, hecho que marcó su niñez y adolescencia, el cual influyó en la música que emprendió con Peter Hook y, posteriormente, con Ian Curtis, de quien nos dice que no era el hombre deprimido y atribulado que la leyenda nos quiere seguir vendiendo para reforzar aún más la grisura existencial de los dos primeros álbumes de Joy Division: Unknown Pleasures (1979) y Closer (1980).

Curtis era un joven alegre, leía mucho y no hacía gala de su cultura libresca. Además, su sueño era tener una librería de viejo en Manchester, pero a Curtis se le descubrió la epilepsia a los 22 años. Aquello, a la postre, fue su fin a causa de los medicamentos que debía tomar para controlarla. Al respecto, resulta reveladora la transcripción de la grabación de la sesión de hipnosis a la que fue sometido Curtis, por insistencia de Sumner, dos semanas antes de su suicidio, el 18 de mayo de 1980.

Sumner no rehúye los problemas con el bajista Peter Hook, a quien califica de “Mr. Ego”. Empero, estos desbarajustes del compañerismo no impidieron que Joy Division produjera, incluso cuando el conjunto pasó a llamarse New Order en 1980, meses después de la muerte de Curtis.

Sumner no quiere cometer los errores de otros (la solemnidad y la exageración, por ejemplo), por ello, cada anécdota o perfil, como los de Tony Wilson, Martin Hannett, Rob Gretton, Johnny Marr y otros, viene precedido por un respeto a la trayectoria, una mirada seria a la tradición musical que representan.

Nuestro autor no solo se asume como uno de los artífices de un proyecto musical (guitarra en Joy Dividion y voz principal en New Order) que resistió y triunfó, sino igualmente como un privilegiado protagonista de un periodo de la historia de la música del siglo pasado.

En ese maravilloso juego de novela y biografía de Max Aub, Jusep Torres Campalans, leemos una sentencia que nos ayudaría a entender un poco más estas memorias: “Vender es venderse”. Sumner es un artista íntegro. Nunca se dejó vencer ni tentar por el poderío de la industria discográfica, la cual en más de una ocasión le sugirió flexibilizar la propuesta de la banda para captar y aprovechar la sensibilidad de las nuevas generaciones. Sus seguidores ahora lo saben: Joy Division y New Order no son un producto. Son un sentimiento.

Fuente: Diario La república