Categoría: Música

La banda californiana regresa al Perú para un show épico de punk rock el 27 de agosto. Conoce todos los detalles sobre la venta de entradas, precios y zonas. Este concierto es auspiciado por Radio Oxígeno.

Este lunes, Green Day confirmó lo que muchos fans peruanos esperaban: su regreso a Lima. La banda de punk rock, liderada por Billie Joe Armstrong, encenderá la ciudad en una velada de punk rock puro, cargada de nostalgia, energía y nuevos himnos. Será su tercera visita al país, tras los recordados conciertos de 2010 y 2017 en el mismo recinto.

“Sudamérica, han sido tan pacientes. Ahora estamos aquí para hacer realidad esos sueños”, escribió la banda en sus redes sociales. Para sus seguidores peruanos, ese sueño ya tiene fecha: el miércoles 27 de agosto en el Estadio San Marcos. “Nos dirigiremos a ustedes para lo que será un espectáculo verdaderamente épico”, añadieron.

Y como si fuera poco, Green Day no llegará solo. Su telonero será Bad Nerves, una banda británica apadrinada por el propio Armstrong, quien no ha dudado en llamarlos “el mejor grupo del Reino Unido actualmente”. Con un sonido punk vertiginoso y un segundo álbum explosivo (Still Nervous), el quinteto se encargará de prender la mecha antes del show principal.

¿Cuándo comienza la venta de entradas para Green Day en Lima?
La venta de entradas comenzará este miércoles 21 de mayo a las 10 a.m. con una preventa exclusiva para clientes del BBVA a través de Ticketmaster. La venta general se habilitará el viernes 23 de mayo. Además, se podrá comprar de manera presencial en tiendas Wong (Benavides, San Miguel y San Borja) y en Metro Plaza Norte, desde las 10 a.m.

Precios de entradas para Green Day en Lima
El escenario contará con cinco zonas, y los precios oficiales publicados por Ticketmaster son los siguientes:

Preventa BBVA (desde el 21 de mayo)

• Campo A: S/ 335
• Campo B: S/ 250
• Occidente: S/ 299
• Oriente: S/ 280
• Norte: S/ 145

Precio regular (desde el 23 de mayo)

• Campo A: S/ 453.30
• Campo B: S/ 319.30
• Occidente: S/ 382.00
• Oriente: S/ 357.60
• Norte: S/ 185

Fechas de la gira Green Day South America 2025
– 24 de agosto: Bogotá, Colombia – Vive Claro
– 27 de agosto: Lima, Perú – Estadio San Marcos
– 30 de agosto: Santiago, Chile – Parque Estadio Nacional
– 7 de septiembre: São Paulo, Brasil – The Town
– 15 de septiembre: Asunción, Paraguay – Jockey Club

¿Cómo comprar entradas para el concierto de Green Day en Lima?
– Ingresa a Ticketmaster: Visita la página web de Ticketmaster.
– Crea tu cuenta: Si eres cliente nuevo, regístrate con un correo electrónico vigente, ingresa tus datos personales y elige una contraseña.
– Confirma tu registro: Revisa tu correo electrónico para confirmar tu cuenta, luego regresa a la página de Ticketmaster.
– Busca el evento: Con tu cuenta creada, inicia sesión en Ticketmaster y busca el concierto de Green Day en Lima.
– Espera en la cola virtual: Una vez en la cola virtual, espera tu turno. Cuando sea tu momento, ingresarás automáticamente al evento y podrás ver las zonas disponibles y sus precios.
– Selecciona tus asientos: Elige la zona y los asientos deseados, haz clic en «reservar asiento» y luego en «comprar». Ingresa los datos de tu tarjeta para completar la compra.
– Finaliza la compra: Al finalizar, recibirás una confirmación de que la compra ha sido exitosa. Descarga tus tickets y verifica que estén correctos.

(*) Importante: No compartas tus tickets con nadie para evitar ser víctima de estafas.

Fuente: Diario RPP.

A una semana del inicio de la gira mundial con la que celebrará sus 50 años de fundación, Iron Maiden hizo este pedido a los fanáticos que acudirán a sus conciertos. “Respeten a la banda, respeten a los demás fans”, solicitó la ‘Doncella’.

A una semana del inicio de la gira mundial Run For Your Lives, con la que Iron Maiden celebrará sus 50 años de fundación; la legendaria banda británica hizo un llamado a sus fanáticos, para que eviten utilizar “excesivamente” sus celulares durante los conciertos del nuevo tour.

A través de sus redes sociales oficiales, la agrupación consideró que el uso excesivo de los móviles no solo es una falta de respeto para la banda sino para los demás asistentes al concierto, que no pueden disfrutar del espectáculo por tener a cientos de celulares en el aire bloqueando la visibilidad.

“Queremos que los fans disfruten de los conciertos en persona, en lugar de en sus pequeñas pantallas. El uso excesivo de teléfonos hoy en día reduce la diversión, sobre todo para la banda, que está en el escenario mirando las filas de teléfonos, pero también para los demás asistentes”, dijo Rod Smallwood, mánager de Iron Maiden.

“Creemos que la pasión y la implicación de nuestros fans en los conciertos los hace especiales, pero la obsesión por los teléfonos se ha descontrolado tanto que se ha convertido en una distracción innecesaria, especialmente para la banda. Espero que los fans lo entiendan y sean sensatos al limitar drásticamente el uso de las cámaras de sus teléfonos por respeto a la banda y a sus compañeros”, añadió.

“Así que, por favor, respeten a la banda, respeten a los demás fans y disfruten al máximo uniéndose a la familia Maiden cantando con todo el corazón, ¡en lugar de sacar el teléfono! No es mucho pedir, ¿verdad?”, concluyó.

La gira Run For Your Lives inicia el próximo martes, 27 de mayo, en Hungría. La banda, de momento, solo tiene fechas confirmadas en Europa, pero posteriormente se anunciarán las fechas en los demás continentes.

Sobre la gira Run For Your Lives
Con la gira Run For Your Lives, Iron Maiden celebrará sus 50 años de fundación. Para este tour, la banda ha prometido un setlist “muy especial”, que abarca sus nueve primeros álbumes de estudio, desde Iron Maiden hasta Fear Of The Dark.

“Maiden desea que todos los asistentes experimenten este espectacular show como lo hicieron cuando muchas de estas canciones se interpretaron en vivo por primera vez en los 80 y, al igual que muchos otros artistas, la banda ahora pide a sus fans que no graben excesivamente los conciertos con sus teléfonos o tabletas”, se lee en el post publicado por la ‘Doncella’.

Como parte de las celebraciones por este medio siglo de vida, Iron Maiden también ha anunciado el lanzamiento de un libro y la publicación de un documental.

Fuente: Diario RPP.

¿Confirma nuevo concierto? Green Day colocó las banderas de Colombia, Perú, Chile, Argentina, Brasil y Paraguay sugiriendo su retorno a Sudamérica en un video en redes sociales.

Green Day apunta a Sudamérica. La icónica banda de punk rock estadounidense usó sus redes sociales para anunciar lo que sería su retorno al continente sorprendiendo a millones de fans.

Por medio de un video, difundido este viernes en X (Ex Twitter) e Instagram, el grupo conformado por Billie Joe Armstrong (guitarra y voz), Mike Dirnt (bajo y coros) y Tré Cool (batería y coros) reveló que dará un anuncio este lunes 19 de mayo.

En el registro audiovisual de trece segundos se ve a un pequeño hombre con estilo y peinado punk caminando en un parque mientras aparecen las banderas de Colombia, Perú, Chile, Argentina, Brasil y Paraguay. El personaje desaparece causando una mayor expectativa entre los fanáticos.

«Sudamérica, es tu momento de brillar. ¡Grandes (y queremos decir enormes) noticias llegará el lunes por la mañana!», se lee en el anuncio compartido por Green Day a sus millones de seguidores.

Cabe mencionar que esta sería la tercera presentación de Green Day en el Perú. La banda dio un primer concierto el 26 de octubre de 2010 con un espectáculo inolvidable en el estadio San Marcos. Posteriormente, regresó a Lima para otro show el 15 de noviembre de 2017 en el mismo escenario.

Green Day recibió su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood
Green Day, una de las bandas más emblemáticas del punk rock estadounidense, recibió su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood el último 2 de mayo.

Sus tres integrantes, Billie Joe Armstrong, Tré Cool y Mike Dirnt, estuvieron en el evento acompañados de Ryan Reynolds, amigo del grupo, y Rob Carvallo, productor de sus exitosos álbumes: Dookie, Insomniac, Nimrod, American Idiot, entre otros.

¡Esto es como la Super Bowl de mi mamá! Y es como estar en tu propio funeral», bromeó Billie Joe Armstrong, quien también agradeció a su pareja y a sus seguidores, quienes se congregaron en el emblemático bulevar de Hollywood, en Los Ángeles.

Seguidamente, Armstrong, Cool y Dirnt subieron al escenario a recibir el reconocimiento que honra sus casi cuatro décadas de una trayectoria marcada por temas como: Basket Case, Holiday, When I Come Around, Jesús of Suburbia, Boulevard of Broken Dreams, Waiting, entre otros éxitos.

Green Day, la exitosa banda de punk rock
Green Day se gestó en 1986 con el vocalista Billie Joe Armstrong, el guitarrista Mike Dirn y el baterista John Kiffmeyer, más conocido como Al Sobrante. En 1989, decidieron cambiarse el nombre a Green Day y anunciaron la salida de Kiffmeyer para que Tré Cool entre en su lugar.

En 1994, la banda firmó con Reprise Records. Con este sello, lanzaron el aclamado disco Dookie que significó un gran éxito internacional consiguiendo vender más de treinta millones de copias en todo el mundo.

Green Day, junto a otras bandas como The Offspring y Rancid, fueron los que produjeron el renacimiento y popularización del punk rock en los Estados Unidos, como parte de la cultura en dicho país.

Con el pasar de los años, lograron grabar otros exitosos álbumes entre los que se encuentran American Idiot (2004) y 21st Century Breakdown (2009) que le permitieron conseguir dos premios Grammy al Mejor álbum rock.

En febrero de 2020, Green Day sacó su álbum titulado Father of All Motherfuckers con 10 temas producido por Butch Walker, editado por la discográfica Reprise. El 19 de enero de 2024, la banda lanzó su último disco Saviors.

Fuente: Diario RPP.

Cambio mi corazón supera los 200 millones de vistas y hace historia en la música peruana. Christian Yaipén y la orquesta celebraron el logro con un emotivo mensaje en redes sociales.

Grupo 5 lo vuelve a hacer. La orquesta de Monsefú, una de las orquestas peruanas más queridas, ha alcanzado un nuevo récord histórico: su video musical del tema Cambio mi corazón ha superado los 200 millones de vistas en YouTube, consolidándose como la cumbia peruana más reproducida en la plataforma a nivel mundial.

La noticia fue compartida este martes a través de las redes sociales del grupo, donde celebraron este logro sin precedentes con un mensaje emotivo: “Muchas gracias, querido público, por consagrar a Cambio Mi Corazón como la cumbia peruana más reproducida en YouTube”. Las felicitaciones no tardaron en llegar, incluyendo un mensaje de Guaynaa, con quien la agrupación lanzó la colaboración Tú no eres un ángel, junto a Mike Bahía.

Una cumbia que conquistó el mundo
El video récord corresponde a un mix en vivo que incluye Cambio mi corazón —interpretado por Christian Yaipén— junto con Pa’ Fuera y La valentina. La presentación formó parte de un homenaje a Elmer Yaipén Uypán, fundador del grupo, y fue emitida originalmente en el programa Domingos de Fiesta de TV Perú.

Grabado en formato de concierto, el clip captura la esencia del Grupo 5: pasión, talento, conexión con el público y respeto por sus raíces. Su viralización en YouTube no solo es un reflejo del cariño de la gente, sino también del poder de la cumbia peruana para trascender generaciones y fronteras.

Grupo 5: una historia de éxitos sin pausa
Este récord se suma a una racha imparable. En los últimos años, Grupo 5 ha agotado entradas en los recintos más grandes del país: desde el Estadio San Marcos hasta el Estadio Nacional, donde logró reunir a más de 150 mil personas durante tres noches consecutivas en abril de 2024.

En febrero, fueron invitados al Premio Lo Nuestro 2025 y desfilaron por primera vez en la alfombra roja del evento en Miami. Entre aplausos y cámaras, compartieron espacio con artistas como Thalía, Alejandro Sanz, Camilo, Reik y hasta Will Smith, marcando su presencia en una de las vitrinas más importantes de la música latina.

La influencia de la orquesta ha cruzado fronteras. En abril, la Academia Latina de la Grabación —organizadora de los Latin Grammy— destacó su legado con un video que celebró sus más de cinco décadas de historia: “Más de 50 años de trayectoria con diferentes generaciones han ayudado a Grupo 5 a posicionarse por su música, su calidad y conexión con el público”.

Y en mayo, con motivo del histórico nombramiento del papa León XIV, de nacionalidad peruana, Christian Yaipén sorprendió con una versión en cumbia del canto cristiano Vienen con alegría. El tema, compartido en redes sociales, fue recibido como un mensaje de fe y esperanza, reafirmando la versatilidad y el compromiso social del grupo.

Fuente: Diario RPP.

El eterno “cara de niño”, reconocido intérprete de salsa, revela cuál es el secreto de su vigencia, y para reafirmar que el género musical sigue vivo, lanza su nuevo tema “Pa’ eso es la vida”.

A 35 años del lanzamiento de su primer álbum titulado “Empezando a vivir”, Jerry Rivera, salsero y puertorriqueño a carta cabal, no le pone pausa a su carrera y lo reafirma con el reciente estreno de “Pa’ eso es la vida”, un tema que le recuerda que la trascendencia solo la da el trabajo constante.

“No soy de pensar en el tiempo que ha pasado desde que empecé”, dice el cantante, que no se ampara en su larga colección de hits para mantenerse en vigencia; sigue lanzando temas como “Pa’ eso es la vida”, un canto que exalta los auténticos valores en pleno 2025.

Eres ya un clásico, con temas que son atemporales y que no han perdido vigencia. Lo que pasa es que en la época en que nosotros grabamos música, no lo hacíamos para estar a la moda. Los productores siempre me decían que nunca grabe canciones con ese criterio: ‘eso pasa, tú tienes que grabar música que tenga elementos atemporales’. La salsa tiene influencias del jazz, música clásica, piano, son montuno, elementos de todos los tiempos. La instrumentación correcta, los arreglos, no tenían nada que ver con que era algo de moda, por eso, lo escuchas hoy y tú no puedes decir si es algo viejo o algo nuevo.

Hay en estos tiempos una obsesión por lanzar temas uno tras otro, sin pausa. Hay gente que quiere escuchar canciones para quedarse con ellas, y también quiere escuchar otras, para divertirse, pero no las hacen eternas. Grabar tanto, es bueno y malo, porque trae más oportunidades, pero a la vez hay una sobrecarga, un sobregiro de música que no para.

¿Cómo te manejas actualmente en la industria musical? En mi caso, yo promuevo varias canciones, las que puedo, las que el tiempo me da, una canción para promoverse necesita entre dos o tres meses. Algunos temas los mantengo de contenido, no tengo la ansiedad de lanzarlos porque se cierra el plazo para calificar para los premios Billboard, para el Grammy. Yo no trabajo así, yo puedo cerrar el disco dos semanas, tres semanas atrás, solo pienso en trabajar los temas uno por uno, no estoy pensando en nada de premiaciones, en nada de nominaciones, mi principal foco es que la gente disfrute cada canción.

¿Qué elementos debe tener una canción para que elijas incluirla en uno de tus discos? Número uno, es la emoción, para mí el arte se define por la emoción, tú ves una pintura y te emocionas, ahí estás conectado. En la música, escucho la letra, la melodía, los tonos, esas son las verdaderas cosas que me llaman la atención, y si me emociona, no puede pasar mucho tiempo, me gusta y la grabo. No será una carta segura que sea un éxito, pero si conecta en mí, es una garantía que va a conectar con la gente.

¿Y hay canciones que grabaste sin mucha esperanza y fueron un éxito? Claro, fíjate tú, qué irónico, las tres canciones más grandes de mi carrera, la disquera que se cree que es la que más sabe nunca apostó por ellas. Estas fueron: “Cara de niño”, “Cuenta conmigo” y “Amores como el nuestro”. Ninguna de las tres tiene video porque no fueron consideradas como sencillos a promocionar.

¿Cómo lograron convertirse en hits? La gente las elige, comenzó a sonar de repente en las radios en Perú, España, Centroamérica, Venezuela, y por ahí siguió y ocurrió naturalmente, un fenómeno que todavía no me lo explico.

Definitivamente, el público es el que sube o baja una carrera o un género musical. Correcto, y lo vemos ahora mismo, la salsa es un género que ha sido y es tan fuerte por el público, contra los que quieren hacer una campaña de que la salsa está de caída, eso nunca ha pasado. Vemos que hay un impulso grande del género urbano que quiere entrar en la salsa ahora, y es porque mucha gente está cansada de que el urbano suene lo mismo.

Bad Bunny es uno de los que ha entrado a la salsa. ¿Por honestidad o marketing? Desconozco sus intenciones, lo que sí ha sido una muy buena propuesta, creo que hay una combinación de negocio y de que le gusta la música, aunque yo no conozco sus bases, yo no sé qué artistas de la salsa escucha. Ha tenido mucho éxito con eso y es bueno.

Fuente: Diario Correo.

El movimiento telúrico que generó los seguidores de Metallica fue medido por el Observatorio Sismológico de Virginia Tech.

Un hecho inusual sacudió literalmente a los fanáticos del metal el pasado miércoles 7 de mayo, durante el concierto de Metallica en el Lane Stadium de Virginia, en Estados Unidos. Los saltos y gritos de los 60 mil asistentes causaron un pequeño movimiento telúrico que fue registrado por el Observatorio Sismológico de Virginia Tech.

El fenómeno se intensificó especialmente durante la interpretación de Enter Sandman, canción que suena en cada partido local del equipo de fútbol americano interuniversitario Virginia Tech Hokies, según informó Louder Sound.

«¡Gracias por saltar con nosotros, Metallica! Vuelvan cuando quieran», es el mensaje que se puede leer desde la cuenta oficial de Virginia Tech.

Metallica lanzará documental en sus fans
Metallica también anunció un nuevo proyecto cinematográfico titulado Metallica Saved My Life, dirigido por Jonas Åkerlund. El documental, aún en producción, abordará el universo de la banda a través de los ojos de sus seguidores, informa el sitio Blabbermouth.

«Este documental es toda sobre ustedes», expresó Metallica en un comunicado, agradeciendo a los fans que compartieron sus historias. La banda adelantó que se podrá ver un adelanto en varias ciudades de su gira por Norteamérica, mientras que el estreno completo está previsto para finales de este año.

Fuente: Diario RPP.

El mayor de los hijos compuso y cantó el tema, mientras que el menor tocó la batería. Shakira celebró su lanzamiento con un mensaje especial por el Día de la Madre.

Milan y Sasha, hijos de la cantante Shakira y el exfutbolista Gerard Piqué, dieron sus primeros pasos en la música con la canción The One. El tema fue escrito por Milan, quien también lo interpreta como vocalista, mientras que Sasha participa en la batería.

Con una duración de 2 minutos y 30 segundos, la canción tiene un tono romántico y narra la intensidad del amor joven, vivido por primera vez a pesar de las opiniones de los demás.

La semana pasada, Milan (12) y Sasha (10) presentaron la canción en una gala en Miami organizada por la Let It Beat Academy. Shakira asistió al evento y fue vista aplaudiendo con emoción mientras sus hijos interpretaban el single sobre el escenario.

Shakira celebró el lanzamiento por el Día de la Madre
Tras el estreno del tema, Shakira compartió el domingo un fragmento del videoclip en su cuenta de Instagram, acompañado del mensaje: “¡Qué regalo más lindo para este día!”, en referencia al Día de la Madre.

The One es una colaboración con la cantante Mila V., y fue producida por la Let It Beat Academy, una fundación liderada por los músicos argentinos Guillermo Vadalá y Nerina Nicotra. La canción forma parte de su programa Next Generation of Artists, que busca potenciar el talento musical de jóvenes entre los 10 y 20 años.

El tema ya está disponible en plataformas como YouTube, donde ha superado las 250 000 visualizaciones, y se incluye en el álbum ALL FOR YOU, publicado por la misma fundación.

Shakira saluda a todas las madres
Este domingo, la cantante colombiana publicó un mensaje especial en sus redes, con fotos junto a sus hijos Sasha y Milan y un video donde los tres cantan All of Me de John Legend, con Sasha al piano.

«Esta canción va para todas las madres que lo dan todo con el corazón», escribió Shakira. También envió un mensaje solidario: «¡Les envío mucho cariño a todas las madres solteras que, a pesar de los desafíos, siguen adelante por sus hijos!».

Las mujeres ya no lloran en EE.UU.
Actualmente, Shakira se alista para iniciar su gira Las mujeres ya no lloran en Estados Unidos, cuya primera parada será este martes 13 de mayo en Charlotte, Carolina del Norte. En este concierto estará acompañada por Alejandro Sanz.

El tour recorrerá la costa este de Estados Unidos hasta el 7 de junio, pasará por Texas del 11 al 15 de ese mes, y concluirá la etapa estadounidense el 30 de junio en San Francisco. Luego llevará su gira por Latinoamérica, con inicio en Tijuana (México) el 11 de agosto.

En Perú, Shakira regresará en noviembre para dos presentaciones en el Estadio Nacional: el sábado 15, como reemplazo de la fecha cancelada en febrero por problemas de salud, y el domingo 16. Ambos conciertos son auspiciados por Radio La Zona.

Fuente: Diario RPP.

El homenaje a mamá por su día ha trascendido todas las formas de arte, incluido el rock. Desde Elvis Presley hasta Soda Stereo, el tema ha sido una fuente de inspiración para varias generaciones de músicos de rock.

La figura materna ha sido fuente de inspiración en diversas artes, como la música. El rock, en sus diferentes estilos y generaciones, tiene canciones inspiradas en la madre, cuyo día se celebra en nuestro país, y en muchos otros, cada segundo domingo de mayo. Aquí, algunas de estas canciones y sus historias.

10. Mama Liked the Roses, de Elvis Presley
    Mama Liked the Roses, lanzada en 1970, es una emotiva balada compuesta por Johnny Christopher que se convirtió en un tributo conmovedor de Elvis Presley a su madre, Gladys, quien falleció en 1958. La canción refleja el profundo amor y respeto que el Rey del Rock tenía por su madre, quien fue su principal apoyo y motivación en sus inicios en la música.
    
    La letra está llena de consejos maternales y palabras de aliento para enfrentar las dificultades de la vida. Elvis canta sobre la importancia de mantener la fe, seguir adelante a pesar de los obstáculos y recordar siempre el amor incondicional de una madre. La canción se convierte en un bálsamo para el dolor de Elvis por la pérdida de su madre y un recordatorio de su presencia en su corazón.

9. Mother Love, de Queen
   Mother Love, incluida en el álbum póstumo Made in Heaven (1995) de Queen, es una canción conmovedora que se ha convertido en uno de los momentos más emotivos de la discografía de la banda. Compuesta por Brian May y Freddie Mercury, la canción refleja los sentimientos de nostalgia, vulnerabilidad y anhelo de amor maternal que este último experimentó en sus últimos días de vida.
   
   La letra de Mother Love está llena de referencias a la madre de Freddie, Jer Bulsara, a quien él siempre tuvo una gran cercanía y cariño. La canción expresa el profundo anhelo del cantante por regresar a la seguridad y el amor incondicional del hogar materno, especialmente en un momento tan difícil y vulnerable como el que estaba atravesando

8. Mother’s Little Helper, de The Rolling Stones
   Mother’s Little Helper, incluida en el LP Aftermath (1966) de The Rolling Stones, es una canción que, bajo una apariencia inocente y una melodía pegadiza, esconde una mordaz crítica social. La letra, escrita por Mick Jagger y Keith Richards, retrata de manera sarcástica la realidad de muchas amas de casa de la época que recurrían al consumo de ansiolíticos, para combatir el estrés y la ansiedad.
   
   La canción se burla de la banalización del consumo de medicamentos recetados, especialmente en mujeres, quienes eran el principal objetivo de la industria farmacéutica. La figura de la «pequeña ayudante de mamá» representa a una mujer que, en lugar de enfrentar los problemas de su vida diaria, busca una solución fácil en las pastillas, cayendo en una dependencia que la aleja de la realidad.

7. Julia, de The Beatles
   Julia, incluida en el aclamado álbum The Beatles (también conocido como The White Album) de 1968, es una conmovedora balada compuesta por John Lennon en memoria de su madre, Julia Stanley. La canción, interpretada con una suave guitarra acústica, se convierte en un homenaje lleno de ternura hacia la madre que falleció en un accidente automovilístico cuando Lennon tenía 17 años.
   
   Con versos como «La luna de la mañana me toca, así que canto una canción de amor, Julia», la canción evoca la imagen de un niño pequeño expresando su amor y admiración por su madre. La letra, sencilla pero llena de sentimiento, transmite la profunda conexión que existía entre Lennon y Julia.

6. Mother, de John Lennon
   En Julia, canción presente en su álbum The White Album (1968), John Lennon había plasmado un tierna oda a su madre, Julia Baird, quien falleció en un accidente automovilístico cuando él tenía 17 años. Sin embargo, en Mother, la canción que abre su primer álbum solista John Lennon/Plastic Ono Band (1970), el tono cambia radicalmente.
   
   Mother se convierte en un desgarrador grito de dolor y resentimiento hacia sus padres, especialmente hacia su padre Alfred, un exmarinero mercante que abandonó a la familia cuando John tenía solo 4 años. Este evento traumático marcó profundamente la vida del músico, quien tuvo que mudarse a Liverpool con su tía Mimi.

5. Mama Said, de Metallica
   Mama Said, incluida en el controvertido álbum Load (1996) de Metallica, se ha convertido en una de las baladas más emotivas y desgarradoras de la banda. Compuesta por James Hetfield, la canción refleja el profundo dolor y el remordimiento que le produjo la muerte de su madre por cáncer cuando él era solo un adolescente.
   
   La letra de la canción va más allá del simple duelo y profundiza en la compleja relación entre Hetfield y su madre, marcada por la religión. El cantante expresa su frustración por la negativa de su madre a buscar tratamiento médico debido a sus creencias religiosas, lo que intensifica aún más su culpa.

4. Iris (Hold me Close), de U2
   Iris (Hold Me Close), incluida en el álbum Songs of Innocence (2014) de U2, es una emotiva balada que Bono compuso en memoria de su madre, Iris Veronica Rankin, quien falleció cuando él tenía tan solo 14 años. La canción funciona como una carta de amor póstuma, llena de recuerdos y sentimientos profundos.
   
   Desde el título, que se traduce como «Iris, abrázame fuerte», Bono deja clara la dedicatoria de la canción. En una entrevista, el cantante confesó: «Tengo memorias de mi mamá y puse algunas de ellas en esta canción». De esta manera, la música se convierte en un vehículo para honrar la memoria de su madre y expresar el amor y la añoranza que aún siente por ella.

3. Cotton Fields, de Creedence Clearwater Revival
   En su momento, considerados la banda más grande de Estados Unidos. Los íconos del rock sureño también tienen entre sus temas un homenaje a mamá. El grupo, encabezado por los hermanos Fogerty, en su cuarto álbum de 1969, incluyen “Cotton Fields”. La canción evoca los años felices de la infancia en los campos algodoneros de Luisiana, cuando eran arrullados por mamá para dormir.
   
   En el apogeo de su fama como la banda más grande de Estados Unidos, Creedence Clearwater Revival incluyó en su cuarto álbum de estudio, Willy and the Poor Boys (1969), la canción Cotton Fields. Este tema, compuesto por Huddie Ledbetter, se convirtió en un conmovedor homenaje a la memoria materna y a los recuerdos de la infancia en los campos algodoneros de Luisiana.

2. Arrullo de estrellas, de Zoé
   En 2013, la banda mexicana Zoé incluía en su disco Prográmaton la canción Arrullo de estrellas, una emotiva pieza compuesta por el vocalista León Larregui tras recibir una llamada inesperada mientras se encontraba en Texas grabando el álbum. La voz al otro lado del teléfono le comunicaba una noticia desgarradora: «Tú mamá está muy enferma, León. Ven a verla».
   
   Sin dudarlo, Larregui emprendió el viaje de regreso a México para estar al lado de su madre, María Marin, quien desde 2012 luchaba contra un cáncer de páncreas. La canción, impregnada de una mezcla de dolor y esperanza, narra la angustia del músico ante la enfermedad de su madre y el deseo de estar con ella en sus últimos momentos.

1. Zona de promesas, de Soda Stereo
   En 1993, Soda Stereo lanzaba su álbum Zona de Promesas, cuyo tema homónimo se presentaba como sencillo principal. Esta balada rock con tintes folk, compuesta por Gustavo Cerati, se ha convertido en un himno para muchos, con su letra que explora el anhelo de volver al regazo materno como refugio ante las adversidades de la vida.
   
   Los versos iniciales, «Mamá sabe bien / perdí una batalla / quiero regresar / solo a besarla», dejan clara la necesidad del protagonista de encontrar consuelo y protección en la figura materna. La canción evoca la imagen de un hombre que, tras enfrentar las tormentas de la vida, busca regresar a la seguridad y el amor incondicional del hogar.

Fuente: Diario RPP.

Se trata deThe Manticore Tapes, un material grabado originalmente en agosto de 1976, el cual contiene versiones tempranas de temas que se encuentran en el álbum debut homónimo de la banda y en el On Parole.

La banda británica Motörhead celebrará sus 50 años con el lanzamiento de un álbum perdido y grabado en 1976, un año después de su fundación, que llevará por título The Manticore Tapes.

Grabado originalmente en agosto de 1976, The Manticore Tapes es un resumen de la primera grabación con la formación clásica de la banda de los 70 y 80, que incluía a Lemmy Kilmister, al baterista Phil «Philthy Animal» Taylor y al guitarrista «Fast» Eddie Clarke, según el medio especializado.

La creación de las once 11 pistas de este álbum se produjo cuando el grupo se instaló en el estudio Manticore del grupo Emerson, Lake & Palmer para ensayar y grabar con Ron Faucus.

Las cintas de esta sesión se perdieron, pero ya se han recuperado y remasterizado, según Billboard.

¿Cuándo será el lanzamiento oficial del álbum por los 50 años de Motörhead?
Muchos de los temas presentes en The Manticore Tapes son versiones tempranas de canciones que se encuentran en el álbum debut homónimo de la banda de 1977 y en el posterior On Parole. Esto incluye tracks como Motörhead, Vibrator y The Watcher.

Además, el nuevo paquete incluye versiones instrumentales y tomas alternativas de Iron Horse/Born to Lose, su versión de Witch Doctor de John Mayall & the Bluesbreakers y una versión preliminar de Leaving Here de Eddie Holland, cuya regrabación se lanzará como sencillo debut de la banda, señala la revista.

The Manticore Tapes se lanzará oficialmente el 27 de junio, con una edición de lujo que también incluye su disco en directo Blitzkreig on Birmingham ’77 y un sencillo inédito titulado Live at Barbarella’s Birmingham ’77.

Fuente: Diario RPP.

El Instituto Cervantes recibirá la donación del artista argentino en un acto íntimo este jueves en su domicilio bonaerense.

El músico y compositor argentino Charly García, ganador de innumerables premios, entre ellos el Grammy Latino a la Excelencia Musical en 2009, entregará este jueves su legado a la Caja de las Letras del Instituto Cervantes en un acto íntimo en su domicilio de Buenos Aires.

El director del Cervantes, Luis García Montero, acudirá al domicilio del músico para recibir un objeto personal que se custodiará por parte de la institución española hasta su entrada en la Caja de las Letras en la sede cervantina de Madrid.

Este acto se enmarca en la celebración de la Feria del Libro deBuenos Aires, que comenzó el pasado 24 de abril y cerrará su edición el 12 de mayo de 2025, y en el que la institución española tiene una presencia destacada, informó este miércoles el Cervantes en un comunicado.

La trayectoria de Charlie García
García (Buenos Aires, 1951) es, a sus 73 años, uno de los músicos más emblemáticos de Argentina, donde es conocido como ‘el padre del rock’, a pesar de haber compuesto canciones de distintos géneros que han marcado a varias generaciones del país latinoamericano.

Pese a que su debut en los escenarios fue en el año 1972 con su participación en el teclado del primer disco de Raúl Porchetto, llamado Cristo Rock, su carrera se consolidó junto a Nito Mestre, Carlos Piegari , Beto Rodríguez y los hermanos Belia, con los que formó la banda Sui Generis.

Grabaron tres discos: ‘Vida’ (1972), ‘Confesiones de invierno’ (1973) y ‘Pequeñas anécdotas sobre las instituciones’ (1974), con los que alcanzaron fama internacional, hasta su separación (ya convertido en un dúo) en 1975 con dos conciertos en el Luna Park de Buenos Aires en los que se grabaron ‘Adiós Sui Generis’.

Tras su paso por bandas como Por SuiGieco o La Máquina de Hacer Pájaros, lideró el grupo Serú Girán, hasta que se lanzó como solista en 1982 publicando canciones emblemáticas como Yo no quiero volverme tan loco, Demoliendo hoteles o Chipi chipi.

García también ha compuesto música para el cine e incluso ha participado en películas como Lo que vendrá (1988) o Mercedes Sosa, como un pájaro libre (1983).

Desde el año 2008 el músico ha sufrido graves problemas de salud que incluso le han obligado a utilizar una silla de ruedas, pero en 2024 lanzó el álbum ‘La lógica del escorpión’.

Fuente: Diario RPP.