La plataforma de moda, conocimiento y conexiones celebrará su edición 36° en Medellín. ¿Qué representa esta vitrina para el mercado peruano? Conversamos con Leonor Hoyos, directora de plataformas de conexión de Inexmoda, para conocer los detalles.
Si hablamos de vitrinas de moda en Latinoamérica, Colombiamoda es un referente indiscutible en la región. Con 35 ediciones celebradas en Medellín, esta plataforma de tendencias, conocimiento y conexiones internacionales ha sentado las bases de lo que se necesita para fortalecer y transformar el sistema moda.
¿Cuál es la importancia de esta vitrina de moda en la región? Leonor Hoyos, directora de plataformas de conexión de Inexmoda, comenta a RPP que Colombiamoda congrega todos los escenarios de la industria porque es más que una semana de la moda. “Es una plataforma que juega desde las diferentes necesidades del sistema moda: conecta mercados, visibiliza a la industria colombiana con pasarelas y activaciones de marcas, y es un espacio de inspiración”, expresa y recalca que ponen énfasis en mostrarle a las demás industrias cuáles son los caminos que tienen y crean conversación para potenciar el sistema moda.
Este año, Colombiamoda, organizado por Inexmoda, celebrará su edición 36° del 29 al 31 de julio en Medellín. Como antesala a este evento, se realizará una primera parada este 29, 30 y 31 de mayo, en Miami, para crear puentes con el mercado latino en Estados Unidos. Leonor Hoyos destaca que Miami es una oportunidad para llevar la oferta colombiana enfocada en el universo resort (entendida como una colección de ropa diseñada para climas cálidos y vacacionales). “Es una de las categorías que nos da la oportunidad de llegar al mercado de Estados Unidos. Tenemos una gran oportunidad desde el frente de la sostenibilidad, la diferenciación y las propuestas que no se ven en marcas globales como lo hecho a mano y que hoy representan ese nuevo lujo”, añade.
¿Colombiamoda es clave para impulsar la moda peruana? En la historia de Colombiamoda, diversos diseñadores y marcas peruanas han participado en esta plataforma para mostrar el diseño nacional y fortalecer conexiones internacionales. En el 2021, Annaïss Yucra presentó su colección ‘Pachamama’ en la pasarela inaugural del evento y mostró el arti-vismo que ofrece su universo multicolor. En el 2024, la diseñadora peruana Sandra Weil presentó ‘Kintsugi’, colección creada en colaboración con la multimarca colombiana Malva, para cerrar el calendario oficial de Colombiamoda. Ese mismo año, 20 marcas peruanas del emporio comercial de Gamarra participaron de la feria de moda como exponentes para ofrecer sus productos en denim.
Visibilizar el talento peruano en una plataforma internacional es clave para mejorar la industria. “Perú es una plaza que está haciendo muy bien la tarea y Colombiamoda es una oportunidad para que puedan conectar con diversos mercados. Visibilizar el talento latinoamericano nos hará mucho más fuertes”, finaliza Hoyos.
Espacios como Colombiamoda nos alientan a transformar la industria de moda local para seguir creciendo y expandiendo el sello hecho en Perú.
Los cardenales tienen intención de elegir al papa en menos de tres días, caso contrario, deberán hacer una pausa de un día para la oración y las consultas; algo que no ha ocurrido en las últimas elecciones.
Los cardenales confían en que el cónclave para elegir al sucesor del papa Francisco, que comenzó este miércoles, 7 de mayo, será breve, de dos o tres días; según comentan a su entrada en las congregaciones generales que servirán para individualizar una figura que pueda aglutinar consensos.
«Será breve, dos o tres días. Tengo las ideas claras. Yo sé a quién votar. Hay un clima de fraternidad y de espíritu de responsabilidad. No se puede volver atrás», explica el cardenal Raphael Sako, patriarca de los caldeos.
El cardenal arzobispo de Santiago del Estero, el argentino Vicente Bokalic Iglic, también espera «que sea pronto» la elección del nuevo papa.
Mientras que el salvadoreño, Gregorio Rosa Chávez, aunque a sus 82 años no entrará en la Capilla Sixtina, asegura al llegar al aula del Sínodo que la impresión es que «será corto, de dos o tres días».
La única opinión discordante en estos días ha sido la del cardenal sueco Anders Arborelius: «Creo que será un cónclave largo, tenemos que conocernos. Hay muchos cardenales nuevos y hay que conocerse», afirma.
El cardenal Gualtiero Bassetti, también mayor de 80 años, opina que «será un cónclave breve, entre los cardenales hay unidad», según declara al diario Corriere della Sera.
Todo indica que los cardenales tienen intención de elegir al papa en menos de tres días, pues como indican las normas tras tres días sin resultado se deberá hacer una pausa de un día para la oración y las consultas. Algo que no ha ocurrido en las últimas elecciones.
El cónclave más largo de la historia El cónclave más largo de la historia fue el que condujo a la elección del papa Gregorio X, que duró 18 meses, del 1 de marzo de 1271 al 1 de septiembre de 1272.
Durante esta reunión, que tuvo lugar en la localidad italiana de Viterbo, al final se llegó a un acuerdo gracias a la mediación del emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, Rodolfo I de Habsburgo, que favoreció la elección de Tedaldo Visconti, con el nombre de Gregorio X
El cónclave fue tan agotador que llevó a las autoridades locales a tomar medidas drásticas: los cardenales fueron literalmente encerrados en un espacio restringido, se redujeron sus raciones de comida e incluso se retiró el techo del palacio papal, exponiéndolos a la intemperie para acelerar la decisión. De ahí surgió la palabra ‘cun clave’ (bajo llave).
El cónclave más breve de la historia El cónclave más breve del que se tiene constancia se celebró en la noche del 31 de octubre al 1 de noviembre de 1503: duró solo unas diez horas. Tras la muerte de Pío III, los cardenales se reunieron y en un tiempo récord nombraron a Julio II, nacido Giuliano della Rovere (1443-1513).
Los cónclaves del siglo XX En el siglo XX, la duración de los cónclaves fue más bien corta. El cónclave que condujo al nombramiento de Pío X en agosto de 1903 duró 3 días; su sucesor Benedicto XV, en septiembre de 1914, fue elegido en 5 días. Pío XI en agosto de 1922 fue nombrado en un cónclave de 4 días, mientras que Pío XII en 1939 lo fue en 3 días.
Juan XXIII también fue nombrado en un cónclave de sólo 3 días en 1958 y Pablo VI salió elegido en un cónclave de sólo 3 días en 1963, con el fuerte apoyo de los cardenales italianos.
El cónclave que condujo a la elección de Juan Pablo I, cuyo pontificado duró sólo 33 días debido a su prematura muerte, fue extremadamente rápido y duró sólo 2 días en 1978.
El que eligió a Juan Pablo II, el primer papa no italiano en siglos, duró cuatro días y ocho escrutinios y supuso una auténtica sorpresa para el mundo entero, ya que el cardenal Karol Wojtyła no era considerado un candidato.
Joseph Ratzinger fue elegido después de dos días y cuatro escrutinios y la elección del papa Francisco duró 36 horas, con cinco votaciones.
Álvaro Vargas Llosa aclaró que su padre no murió de cáncer, como dijo Jaime Bayly, y compartió cómo la familia lo acompañó con lecturas y música en sus últimos días de vida.
Álvaro Vargas Llosa rompió el silencio para aclarar las versiones que han circulado sobre la muerte de su padre, el escritor y Nobel de Literatura Mario Vargas Llosa. Sin mencionar directamente a Jaime Bayly, quien había asegurado que el autor falleció a causa de un «cáncer hematológico», el ensayista pidió no prestar atención a informaciones infundadas.
“Aconsejo no prestar oídos a nadie que no haya tenido acceso a mi padre o a mi familia”, señaló Álvaro en una entrevista con El Comercio, dejando claro su malestar frente a los rumores que, según él, desvirtúan la memoria de su padre. Asimismo, precisó: “Mi padre no murió de leucemia. Lo que tenía era unas defensas muy bajas que lo hacían propenso a infecciones de distinto tipo”, revelando que el deterioro de la salud del escritor culminó con una neumonía fatal, complicación que finalmente resultó definitiva.
Álvaro detalló que, además de las infecciones recurrentes, Vargas Llosa sufrió insuficiencia cardíaca durante la etapa final de su enfermedad. Explicó que la familia siempre supo que tarde o temprano una infección superaría sus defensas, algo que lamentablemente ocurrió con la última neumonía.
¿Cómo fueron los últimos días de Mario Vargas Llosa? El primogénito del Nobel compartió también detalles íntimos sobre los últimos días de Mario Vargas Llosa, destacando que toda la familia se reunió en Lima para acompañarlo. En un ambiente cargado de afecto, el escritor fue paseado en silla de ruedas y en auto, mientras sus seres queridos le leían poemas, fragmentos de novelas y le hacían escuchar música clásica, especialmente sonatas de Beethoven y composiciones de Mahler.
“Hubiera preferido irme antes que tú”, confesó Álvaro que le dijo a su padre en un momento de cercanía y emotividad. Según relató, la familia procuró hacer que sus últimos momentos fueran lo más confortables y dignos posible, rodeándolo siempre de cariño y respeto.
Mario Vargas Llosa nunca perdió su sentido del humor A pesar de su delicado estado de salud, Vargas Llosa nunca perdió su sentido del humor ni su carácter. Álvaro contó que su padre era plenamente consciente de su deterioro y que, incluso en sus últimas semanas, hacía comentarios con humor negro, demostrando su vitalidad hasta el final.
Finalmente, recordó que el escritor dejó en claro su deseo de ser cremado, voluntad que la familia cumplió tras su partida.
“Vargas Llosa logró la libertad de Oswaldo Reynoso cuando estaba detenido, acusado de pertenecer a Sendero Luminoso en la época de Fujimori”, dice también Marco Martos.
Un buen poeta de los ochenta, me pasó un dato interesante hace algunas semanas. Me dijo que, después de cuatro años, el poeta Marco Martos regresaba a la conducción del mítico taller de poesía –el de pregrado- de San Marcos. Este taller, fundado en 1970 por Martos e Hildebrando Pérez Grande, es histórico y fundamental en la formación y difusión de varias generaciones de poetas peruanos. Escrito así, la descripción no es del todo justa. Pero los amantes de la poesía peruana, saben bien lo que suscita la sola mención de ese taller.
Sobre la necesidad de la poesía hoy (y vaya que la necesitamos), La República conversó con Marco Martos.
-¿Te agarra en buen momento este regreso al taller que fundaste, con Hildebrando Pérez, en 1970?
-En San Marcos tenemos talleres en la maestría. Pero lo que celebro ahora es regresar al taller de pregrado, el contacto con los más jóvenes. Para mí, es muy grato estar enseñando o dando técnicas de lo que más me gusta en la vida, que es la poesía. Realmente, es una suerte trabajar en lo que más te apasiona.
-Has visto pasar a grandes poetas peruanos.
-Exacto. San Marcos ha tenido siempre una gran tradición de poetas. Pensemos en César Vallejo, Martín Adán, Blanca Varela y Washington Delgado, por mencionar algunos nombres. Pero en la universidad no se enseñaban técnicas, a la universidad se venía para ser investigador, profesor o crítico. Hace mucho tiempo, un crítico alemán dijo que en la universidad estudiamos a los poetas, pero no los dejamos entrar a la universidad. San Marcos nunca ha dejado de estimular la producción literaria.
-Sobre la práctica de la poesía, hay mucho desconocimiento, pienso en el verso libre, que se cree que es fácil.
-Los grandes poetas que han escrito en verso libre, partieron de un conocimiento de la tradición poética. Martín Adán ha transitado del soneto al verso libre de manera natural. Podríamos decir lo mismo de Octavio Paz, Vicente Huidobro, Pablo Neruda, que fueron conocedores del verso medido, como el soneto.
-Sobre la poesía, cada quien tiene su propio concepto. ¿Cuál es el tuyo?
-Para mí, la poesía es usar el lenguaje para otra cosa. Me gusta contar esta anécdota: Bustamante y Rivero fue presidente de 1945 a 1948. El secretario personal de Bustamante y Rivero, era el poeta Gustavo Valcárcel, quien fue deportado a México con lo que tenía puesto. Llega a México y esa noche escribió un poema, que dice: “Dos de la mañana, sin madre y sin Perú”. Acá se resume la posición de un desterrado en pocas palabras. El poeta Ungaretti tiene un poema que se llama “Amanecer” y tiene una sola línea: “Me ilumino de inmensidad”. Esa es la maravilla de la poesía.
-¿La poesía tiene una función hoy?
-La poesía, para quien la escribe, le hace bien de todas maneras. Rilke, en Cartas a un joven poeta, decía que, si lo que tienes que decir lo puedes decir en una carta, hazlo en una carta; si lo que quieres decir, lo puedes decir en un artículo, dilo en un artículo. Pero si no puedes decirlo, dilo en poesía. La poesía transmite una sensación, transmite un clima. La poesía es importante para el mundo interior.
-Pero hay poetas que dicen que la poesía no sirve para nada.
-Hay que reírse de eso. La poesía sirve para todo. Quien tiene la poesía, es como tener la música. La poesía refuerza tu individualidad.
-Has conocido a muchos poetas. ¿A quiénes recuerdas más?
-El día de la muerte de Javier Heraud, fue muy violento para mí. También me afectó la muerte de María Emilia Cornejo, a quien conocí mucho. Tengo 82 años y sigo vivo, sigo escribiendo poesía. Sé lo que he hecho en poesía, pero el gusto creador no está en lo que hiciste, sino en lo que estás haciendo.
-¿Cómo ves a la poesía peruana hoy?
-Un editor español me preguntó por escritores posteriores a Ribeyro. Le recomendé a Pilar Dughi y Jorge Ninapayta. Ellos están muertos, me dijo. Me puse a pensar. Los dos son lo mejor que han aparecido después de Ribeyro. Pero en la poesía salen los nombres, sin hacer mucho esfuerzo. Carlos López Degregori, Luis La Hoz, que son poetas mayores; pero hay poetas jóvenes, como Paloma Yerovi. En poesía no tenemos que pensar en nombres, porque los hay.
-¿Qué es lo mejor que le ha pasado a la poesía peruana últimamente?
-Las mujeres han tomado la palabra y con mucha energía. Carmen Ollé y Noches de adrenalina. Tenemos a Magda Portal, Elvira Ordóñez, cuya poesía llega al nivel de Blanca Varela.
-¿Y lo 50/50?
-No tiene interés. Pueda ser que en alguna antología haya más mujeres u hombres, lo cierto es que las mujeres ya tienen una presencia.
-Releí hace poco tu prólogo de la edición conmemorativa de la RAE de La ciudad y los perros. ¿Qué piensas de Mario Vargas Llosa?
-Siento soledad porque se ha ido un hombre importante para Perú. La trascendencia de Vargas Llosa va más allá de lo político, de lo ideológico. Te cuento: Vargas Llosa tenía una gran estima por Oswaldo Reynoso. Como sabes, Reynoso estaba en la antípoda de su pensamiento. Y Vargas Llosa logró la libertad de Oswaldo Reynoso cuando estaba detenido, acusado de pertenecer a Sendero Luminoso en la época de Fujimori. Marx decía que las ideologías son anteojeras para ver la realidad. Vargas Llosa y Oswaldo Reynoso se tenían mucha estima.
El perro Pastor Chiribaya que acompañaba a los peruanos desde hace más de 1.000 años, juega un papel crucial en la historia prehispánica, especialmente en el pastoreo de llamas y alpacas.
El pastor chiribaya, una raza de perro ancestral peruana, fue reconocida oficialmente por la Federación Canina Americana en un histórico evento realizado en Brasil el 28 de marzo de 2025. Esta raza, que acompañó a los peruanos prehispánicos durante más de mil años, pertenece a una de las culturas más antiguas de Perú: la Chiribaya, que floreció entre los años 900 y 1350 d.C., en la zona desértica de Ilo, en el departamento de Moquegua.
Investigaciones arqueológicas han demostrado que estos perros desempeñaron un papel crucial en las sociedades preincaicas, sobre todo en el pastoreo de llamas y alpacas. A través de excavaciones en esta región, se encontraron más de 40 momias de perros enterrados junto a sus dueños, momificados también, lo que revela el profundo respeto y aprecio que se tenía por estos animales. Los perros chiribaya fueron enterrados con mantas y alimentos, lo que sugiere que se creía que continuarían su labor en la vida después de la muerte, al igual que sus dueños.
El papel fundamental del perro chiribaya en la ganadería prehispánica Según la doctora Sonia Guillén, directora del Centro Mallqui y especialista en antropología funeraria, el perro chiribaya fue un «héroe olvidado» del desarrollo ganadero andino. Estos animales no solo ayudaban a dirigir las rebañas de llamas y alpacas, sino que también fueron una parte esencial de la economía prehispánica. Las excavaciones han revelado que muchos de estos perros fueron enterrados con gran respeto, lo que marca una diferencia frente a otras culturas, como la Moche, donde los perros eran sacrificados en rituales funerarios.
Gracias a la excelente conservación de sus restos momificados, los investigadores han podido observar características físicas distintivas de esta raza. El pastor chiribaya presenta un cuerpo largo, similar al de un trotador, con extremidades ágiles que le permitían recorrer grandes distancias en la arena. Su pelaje varía entre tonos beige, crema y amarillos, con algunos ejemplares mostrando tonalidades rojizas y negras. Además, su rostro posee una nariz mediana y orejas parcialmente caídas, características que recuerdan a las de un golden retriever.
Recuperación genética: la esperanza de revivir al pastor chiribaya El reconocimiento oficial del pastor chiribaya como una nueva raza canina ha abierto la puerta para recuperar su genética y su papel en la historia del país. A través de un exhaustivo análisis molecular de los restos momificados, los expertos han identificado un haplotipo único, lo que confirma que se trata de una raza genuina y no de una simple variedad de perros mestizos.
El proceso de recuperación genética está en marcha y se plantea cruzar ejemplares actuales, principalmente aquellos que habitan en Ilo, con las características físicas y comportamentales del pastor chiribaya. Este proyecto busca revivir la raza tal como existía en tiempos prehispánicos, con la esperanza de que, en pocos años, esta antigua raza peruana se recupere en su totalidad. Enrique Angulo, veterinario que forma parte de este proceso, ha señalado que este proyecto tiene el potencial de revivir una raza histórica que ha sido olvidada, pero que aún vive en muchos perros mestizos de la costa peruana.
Un futuro prometedor para la raza chiribaya: respaldo político y social El 14 de abril de 2025, la Asociación Canófila Peruana, junto con el Centro Mallqui, presentó un proyecto de ley ante el Congreso de la República, solicitando que el pastor chiribaya sea reconocido oficialmente como patrimonio vivo del Perú. Este respaldo político, junto con el creciente interés social y académico por la raza, promete asegurar su preservación para las futuras generaciones.
Este proyecto tiene como objetivo no solo recuperar una parte importante de la historia peruana, sino también promover el reconocimiento y la valorización de las razas autóctonas de Perú, como el viringo peruano, que ha ganado notoriedad en todo el mundo. La esperanza es que, mediante este esfuerzo conjunto, el pastor chiribaya pueda ser reconocido como un símbolo de la riqueza cultural y biológica del país, demostrando que las razas caninas no solo son parte de nuestra vida cotidiana, sino también de nuestra historia ancestral.
¿Qué significa Chiribaya? Chiribaya es una cultura arqueológica del Antiguo Perú que se desarrolló en la parte centro-sur de los Andes centrales entre los años 900 y 1450 aproximadamente, que corresponde al periodo Intermedio Tardío.
¿Cómo se le denomina al perro nativo del Perú? El perro sin pelo del Perú, conocido como «viringo», por su particular desnudez fue objeto de natural curiosidad por los peruanos de distintas épocas, debido a la atribución de distintas propiedades, así los vemos en las representaciones que aparecen en los ceramios de distintas culturas Pre-Incas, como Vicús, Mochica, Chancay, Chancay con influencia Tiahuanaco, Chimú y otras; en lo que en muchos casos el perro sin pelo suplanta a las representaciones del puma, la serpiente o el halcón, destacándose con mayor interés en la cultura Chancay.
Desde archivos botánicos hasta paisajes fragmentados, Alessandra Risi traza un camino internacional con una obra que cruza memoria, naturaleza y crítica a la colonialidad.
Con apenas 27 años, Alessandra Risi (Lima, 1997) ha logrado insertarse en el circuito internacional del arte contemporáneo, llevando su obra a galerías en Londres, Milán, Vancouver, Corea del Sur y Lima. Su más reciente participación en Fragmented Wholeness —exposición colectiva curada por LATAMesa en Galleria Mucciaccia, Roma— y su primera individual en Inglaterra, Amazonic Ashes en Somers Gallery, consolidan una trayectoria que se expande con naturalidad desde lo íntimo hacia lo geopolítico.
“La entrada a galerías europeas fue progresiva, casi orgánica”, cuenta Risi. Desde su primera muestra en Otto Zoo (Milán) al cierre de su licenciatura en NABA, hasta la colaboración con Pietro Cattai —curador y también estudiante del RCA— en un proyecto independiente en Queen Alexandra House, que luego dio paso a una individual en Somers. Fue allí donde conoció a las curadoras Carolina Orlando y Pilar Seivane, quienes la invitaron a la muestra en Roma. “Definitivamente, una cosa jala a la otra, pero de forma natural”.
Sus estudios en Italia y luego en el Royal College of Art (Londres) no solo ampliaron su red de vínculos, sino también su mirada sobre el arte desde fuera del Perú: “Vivir en otra ciudad fortaleció mucho el vínculo con mi país. Al estar lejos, sentí mi identidad peruana aún más cerca”.
En Amazonic Ashes, Risi aborda los incendios forestales que arrasaron la Amazonía peruana en 2024 como un punto de partida para reflexionar sobre las formas contemporáneas del extractivismo, pero también sobre las raíces coloniales que lo sostienen. “Para Alessandra, este episodio representa un momento de profunda tragedia, pero también una manifestación clara del conflicto cultural que experimenta como artista”, escribe Pietro Cattai en el texto curatorial. “Sus lienzos se convierten en una extensión de su tierra natal, reflejando su condición ambiental y cultural”.
El fuego aparece como símbolo de destrucción y de transformación, en una pintura que evoca tanto la devastación como la posibilidad de renacer. “Su obra narra una tensión que sigue siendo actual, tanto en la historia de su país como en su experiencia personal”, afirma Cattai. Lejos del exotismo con que a veces se mira el arte latinoamericano desde Europa, Risi propone una lectura crítica, informada y profundamente afectiva de la relación entre naturaleza y poder.
La obra de Risi se construye a partir de un archivo híbrido: estampillas botánicas, libros de sus abuelos, catálogos científicos del siglo XX. “Comencé a generar una relación entre las plantas como símbolos iconográficos de cada país, trasladados y clasificados desde la colonia”, explica. Las imágenes vegetales, lejos de ser neutras, remiten a la circulación forzada de especies, saberes y cuerpos.
En su práctica pictórica, estas referencias se traducen en soportes no convencionales —cajas de fósforos, cerámicas, telas sin bastidor— que refuerzan la idea de fragmento, desplazamiento y memoria. “Cada material dialoga con la idea al igual que los formatos grandes como pequeños”, dice.
Risi también incorpora elementos formales del imaginario peruano: colores tierra y fluorescentes, brochazos gestuales, y una apuesta por lo expresivo sobre lo ilustrativo. “La pintura es mi vida”, confiesa. “Me despierto y lo primero que pienso es en pintar, incluso cuando digo que no voy a hacerlo”.
Desde Londres, Risi se siente parte de una nueva generación de artistas peruanos que encuentran espacios en el extranjero sin perder el vínculo con su país. “Hay una generación interesantísima de artistas, arquitectos y escritores. Desde Sandra Gamarra, con quien conversé este año en mi estudio del RCA, hasta figuras como Jose Bazo, Macarena y Fátima Poppe, Alejandra Iturrizaga o Manuel Velarde. Nos acompañamos mucho”, cuenta.
Sobre el paisaje, tema central en su obra, Risi sostiene que “siempre ha sido una preocupación clave en el arte peruano. El país es tan geográficamente diverso que resulta inevitable pensar críticamente en nuestra relación con el territorio”. En su caso, la pintura es también un espacio de reparación y proyección: una forma de tender puentes entre el pasado colonial, el presente extractivo y posibles futuros más sostenibles.
Este año, Risi prepara una nueva muestra en Brescia, Italia, junto a otro artista, tras ganar una convocatoria abierta. Y aunque sus proyectos más recientes se han desarrollado fuera, no descarta volver a exponer pronto en el Perú. “Me interesa seguir en diálogo con artistas de distintas generaciones. Siento que hay que construir más puentes entre lo que viene y lo que pasó”.
El Museo Central, o el MUCEN, viene desarrollando una actividad que lo convierte en punto de conocimiento y encuentro para un público conformado, especialmente, por jóvenes. ¿A qué se debe esta auspiciosa actualidad? La República conversa con María del Pilar Riofrío.
El circuito artístico y cultural local, en contra de lo que pudiera creerse debido a cómo van las cosas en Perú y en el mundo, viene atravesando realmente un buen momento. A saber, de 20 exposiciones/actividades culturales/etc., por poner una cifra al azar, solo un par estarían por debajo de lo esperado. Esto no es un rumor o una buena impresión al paso, es una realidad que debemos subrayar, puesto que este buen momento viene pautado por la presencia de un público joven, es decir, por el relevo de una generación que abrazó la cultura como un modo de vida y no como una extravagancia.
En este escenario, La República viene siendo testigo, desde hace un buen tiempo, de la dinámica cultural del Museo Central, MUCEN, del Banco Central de Reserva del Perú. Pensemos en su sala de exposiciones temporales (por aquí vimos la consolidación de artistas como Felipe Coaquira y Chonon Bensho), en su pinacoteca y en sus concursos nacionales de pintura (María Fernanda Laso y Verona Penagos, entre las últimas ganadoras saludadas por el público; dato curioso: no pocos artistas quieren participar en este concurso, pero no tanto por el monto pecuniario del premio, sino por el prestigio que significa exponer en el MUCEN). Tres ejemplos que nos hablan de la vitalidad que suscita un espacio inaugurado en 1982 y que desde entonces está en la memoria emocional de muchos. De lo canónico a lo contemporáneo, sin ruido en la transmisión, clara señal de que las cosas están funcionando.
Para saber más de esta dinámica y de la importancia de la cultura hoy en día, La Republica conversó con María del Pilar Riofrío, directora del MUCEN.
-En las actividades y en las exposiciones del MUCEN, vemos muchísimos jóvenes. Es innegable que es un espacio muy vital.
-Hemos invertido mucho en que el museo sea un espacio amable, amigable, donde sientas que vives una experiencia entretenida, de aprendizaje, lo cual se ha consolidado a través de una programación educativa muy continua, muy especializada con metodologías de mediación cultural. Además, hemos venido perfeccionando y mejorando nuestros programas educativos, trabajando muy de la mano con la comunidad docente. Es más, creamos el Concurso Docente Innovador MUCEN, que ya va en su quinta edición y que nos permite llevar el MUCEN al aula. Esto es un gran logro. También trabajamos con la comunidad de artistas, que elaboran sus propuestas en base a la colección del MUCEN.
-¿A qué crees que se deba la respuesta del público?
-El MUCEN es un espacio de diálogo. Hay una necesidad de la gente de conversar con la cultura. Nos enfocamos en que tú puedas tener una experiencia, en la cual vienes y conversas con un mediador o dejas un comentario o participas. Buscamos que el visitante tenga un rol más activo. Por ejemplo, el mapa de experiencias que entregamos, te permite escribir un comentario y la respuesta del público siempre ha sido positiva porque necesitamos espacios donde expresarnos y donde opinar. Cada persona trae un conocimiento, el cual es incorporado al museo.
-Todas las salas del museo tienen su atractivo, pero la sala del primer piso se ha vuelto muy protagónica.
-Al ser la primera sala a la que uno ingresa al museo, definitivamente, genera un primer interés. Más que tener mucha intervención curatorial, ha habido algunos guiños: tienes una obra de arte contemporáneo dialogando con la cerámica shipibo-konibo, también la obra “Cosmovisión bora” de Víctor Churay, que estaba en el primer piso y ahora está en la pinacoteca. Es una obra central en varios de nuestros programas educativos, porque es tan contemporánea en producción con otras obras de este espacio.
-Se le da entonces una mirada actual.
-Hemos querido darle esa mirada contemporánea al acortar distancias históricas, incluso si te enfrentas a cómo presentas el antiguo Perú para que se sienta relevante en el presente. Todos estos ejercicios curatoriales los hemos trabajado mucho a nivel de exposiciones temporales.
-Como se vio en la exposición Mundo Vicús.
-Así es. Pensamos mucho en por qué es relevante ahora algo que ocurrió hace 1500 años, en cómo conecto con la parte humana, ya que fueron los antiguos peruanos los que celebraban estas fiestas y rituales funerarios; de alguna manera, es volver a presentarlo no como un objeto que no tiene significado para ti, sino conociendo a las personas detrás de esas creaciones y que enfrentaron retos, no como los que enfrentamos nosotros ahora, pero sí a nivel de las emociones. Estos ejercicios de traer el pasado al presente a través del diálogo con otros recursos artísticos o visuales o musicales, sí nos han importado mucho.
-El Concurso Nacional de Pintura del BCRP no solo está consolidado, sino también genera discusión en el circuito. Eso es importante.
-Se crea este concurso en 2009 y las propuestas que llegan son de una técnica mixta que ya no entraban en categorías, por así decirlo. Estamos en un momento en el cual el arte ha cambiado, es versátil, flexible. Lo que ha hecho el museo es incorporar esos nuevos lenguajes. Lo importante es entender que hay una discusión alrededor y que formamos parte de un ecosistema en el cual estamos pensando de forma colectiva ciertos temas de arte.
-Instituciones como el MUCEN cumplen una función, ya que la educación artística en Perú no está desarrollada.
-La educación artística a nivel nacional no es un área a la que se le ha dado prioridad. Y los museos, los espacios culturales, los artistas, debemos ser un aliado fundamental en fortalecer esa área. Los museos no solo somos un espacio para la educación artística, sino para la educación en general. Los museos de arte debemos quitarnos el gorrito de que aquí solo vienen los profesores de arte o de historia. Tenemos que abrir las puertas a un conocimiento interdisciplinario. ¿Por qué no el profesor de matemáticas puede venir a hacer su clase con obras de arte de diferentes tiempos? Es cuestión de enfrentarlo de forma muy creativa y también de rescatar conocimientos o saberes que se encuentran en obras o bienes culturales de diferentes tiempos. Entonces, creo que el museo, si bien tiene un papel muy importante en la formación de la educación artística, excede también lo artístico y es un repositorio visual de la cultura material e inmaterial, pero también de conocimientos transversales si hablamos de tecnología, por ejemplo, si hablamos de literatura, filosofía y ciencias naturales.
-Para estos tiempos confusos, ¿crees que la cultura tiene una función?
-Yo creo que el impacto de una experiencia cultural tiene diversas capas, como ondas de reflexión en una persona o en un grupo. Para algunos, una experiencia cultural puede tener un momento de emoción que te dura 30 minutos y marca la carrera que quieres estudiar y cambia el futuro de tu vida. Lo difícil de la experiencia cultural es medir, tener indicadores que te digan en qué grado impacta en la vida personal. Ese es evidentemente el reto que enfrentamos todas las instituciones culturales del Perú y del mundo. Las personas que estamos en el sector cultural, entendemos la cultura como el cuarto pilar del desarrollo humano. Sin embargo, siempre ha sido un reto que el sector cultural en Perú y en el mundo compruebe la necesidad de que el arte y la cultura sean parte de la vida y la formación de las personas.
-O sea, que no sea una excentricidad.
-Exacto, nosotros entendemos la cultura como un derecho también y como una aliada de la educación, pero no de la educación estrictamente formal, sino en el entendimiento de que como personas aprendemos todos los días desde los cero años hasta que hasta que se acaba nuestra vida. Los museos se conciben como espacios de encuentro, de diálogo y de comunidad.
Datos:
-Lo que se viene. Desde hace dos años, se está trabajando en un guion para un proyecto de renovación museográfica, el cual permitirá hacer más evidente la riqueza del MUCEN.
-Próxima exposición: Soy Tierra, soy Raíz de Ariana Macedo. De la quincena de mayo a septiembre.
El reconocido tenor Ernesto Palacio, descubridor y formador de Juan Diego Flórez, es el director artístico del Festival Granda, que presentará “Madama Butterfly” en el Gran Teatro Nacional. La República conversa con este referente mundial de la música.
El Festival Granda trae una obra maestra: Madama Butterfly, de Giacomo Puccini. Esta ópera se estará presentando los próximos 27 y 29 de abril, y el 2 de mayo, en el Gran Teatro Nacional.
La República conversó con el tenor peruano Ernesto Palacio, figura influyente en la ópera mundial y director artístico de este festival. Además, es igualmente el superintendente y director artístico del Rossini Opera Festival (ROF) de Pésaro. Palabras mayores.
-Hay una buena recepción de la ópera en Perú. Cada vez hay más jóvenes.
-Sí y mi intención es la de hacer una o dos obras de ópera por año. Ahora estoy viendo que algo se está moviendo aquí en Lima, con la Municipalidad de Lima, con Miguel Molinari, que está haciendo un muy buen trabajo. Me da mucho gusto de que la ópera se vuelva más intensa en nuestro país. La ópera es parte de la cultura internacional en todo el mundo. Aparte de eso, hay gente que no teniendo la oportunidad de ver ópera todos los días, cuando va experimenta un descubrimiento y se apasiona enseguida porque es un espectáculo muy completo.
-¿Por qué gusta la ópera?
-Por su música. Por lo general, los argumentos son muy tontitos, pero es la música lo central de la ópera. Música y canto, especialmente. La tradición en Perú por la ópera tiene muchos años. Cuando era joven, venían a Perú grandes compañía de ópera y la gente iba a los espectáculos.
-Pero hubo un quiebre, como si en algún momento ese ritmo se detuvo para luego volver.
-Fue en el gobierno de Velasco Alvarado. Las artes que no era peruanas no eran consideradas. La ópera no era autóctona y le ponían muchas trabas para que se presente ópera en Perú. Al final, la ópera terminó desapareciendo. Hasta que, en los años 80, Luis Alva, que hace poco ha cumplido 98 años, el 10 de abril, quiso poner ópera en Lima y comenzó haciendo las temporadas con su organización, en las cuales yo también canté.
-Tú has amado la ópera desde muy chico, pero ¿cómo te interesas por la música?
-Cuando era chico, viajaba mucho con mi padre, que era oficial de la Marina. Un día me dijo te regalo un disco. Vi lo que había y vi un álbum grande, muy bonito y le pedí que lo comprara. Era El barbero de Sevilla de Rossini. Llegué a la ópera de casualidad y escuchándola mucho fue que me interesó la ópera. Así le pasa a mucha gente.
-Eres una persona muy reconocida. Descubriste y fuiste maestro de Juan Diego Flórez, por ejemplo. Cuando se habla de ti, se piensa en calidad. ¿Alguna vez dudaste en seguir esta vocación?
-Siendo muy joven tuve una pequeña pausa. Había ingresado al noviciado jesuita y estuve ahí casi cuatro años. Luego salí y regresé a la ópera. Tuve un gran mecenas, Luis Nicolini, que me dio una beca para ir a estudiar a Italia. Hice contactos importantes, positivos, que creyeron en mí. Me presenté en un concurso de la televisión italiana y me dieron el premio a mejor tenor. En esos años, había dos canales importantes en Italia y el concurso que gané pertenecía a uno de ellos. El concurso se llamaba Voces Nuevas y desde entonces se me abrieron las puertas.
-Como dice, usted tuvo contactos positivos. Eso quiere decir que también existen los contactos negativos.
-Por supuesto. Para mí, una de las grandes cualidades que uno tiene que tener es la intuición. Todos los muchachos que estudian canto reciben consejos todos los días y a veces reciben buenos consejos y a veces reciben malos consejos. Entonces, la intuición es lo que lleva a uno a decidir qué cosa es lo que hay que hacer. Yo, por ejemplo, estudiaba con Alejandro Granda. Como tenía 16 años, me cuidaba con mucha prudencia. En cambio, cuando murió, al día siguiente, yo fui a estudiar al conservatorio y había otra persona, una señora, que me hizo hacer cosas rarísimas. Si yo seguía con ella, muy probablemente hubiera perdido la voz. No regresé nunca más. Esa fue mi visión del momento. A veces, la intuición te salva de los malos consejos o malas directivas.
-¿Por qué gusta tanto Madama Butterfly?
-Es una de las óperas que más se hacen en el mundo entero y Puccini es uno de los compositores más importantes que existen. Para mí, es el último de los grandes compositores.
-¿Cumple la ópera alguna función en estos tiempos de polarización? Así está el mundo.
-Si alguien va a la ópera y sale contento, pues es algo que hemos logrado hacer y eso se reflejará en un mejor modo de vida. La cultura, la música, las artes, nos expanden la visión de la vida y eso es lo que requiere el mundo hoy: ver la vida de otra manera. La ópera le brinda a tu vida cosas positivas. Los psicólogos, por ejemplo, pueden dar cuenta de ello, ya que estudian la conducta humana.
-¿Te gusta toda la ópera?
-Yo amo toda la ópera, pero no me gusta toda la ópera. Yo no amo a Wagner, tampoco me gusta mucho el Barroco, y reconozco que sí conmueven.
-¿Cómo ves al Perú hoy?
-Lo veo mal. Pero sé también que el Perú es más grande que las bestias que lo gobiernan. El Congreso le está haciendo mucho daño a nuestro país. No es una situación ideal para los jóvenes artistas, pero antes que la situación, deben fijarse en sus aptitudes. Si reconoces que las tienes, debes seguir y esforzarte. Al final, todo se ordena. Eso pasó conmigo. Tenía aptitudes para el canto y seguí.
En el Día Internacional del Libro, rendimos homenaje a nuestro poeta universal, César Vallejo. RPP conversó con expertos sobre la obra de este destacado escritor peruano.
Cada 23 de abril, el mundo se sumerge en un mar de páginas para rendir homenaje a las grandes obras de la literatura. En este día especial, detenemos nuestros pasos para reflexionar sobre el eterno legado de César Vallejo, nuestro poeta universal. Recordamos su vida y obra, que lo han llevado a ser considerado uno de los grandes de la literatura universal.
Vallejo, nacido en Santiago de Chuco el 16 de marzo de 1892, es recordado no solo como uno de los máximos exponentes de la poesía, sino también como un visionario que anticipó el vanguardismo literario. Su obra, impregnada de una sensibilidad única y una profunda reflexión sobre la condición humana, sigue cautivando al mundo.
El autor publicó sus primeros poemarios, Los heraldos negros, en 1918, y Trilce, en 1922. Al año siguiente, lanzó su primera obra narrativa, Escalas, antes de emprender su viaje hacia Europa, donde residió en París hasta su fallecimiento. Durante esta última etapa, escribió poemas que se publicarían póstumamente, además de incursionar en la prosa con obras como El tungsteno.
Aunque en el Perú encontramos otros destacados poetas como César Calvo, Javier Heraud, Blanca Varela, José Watanabe, José Santos Chocano y Abraham Valdelomar, César Vallejo continúa siendo un faro en este ámbito. Sus versos, como el inmortal «Hay golpes en la vida tan fuertes… ¡Yo no sé!», lo mantienen como un referente indiscutible en la poesía peruana y más allá.
Del 22 al 27 de abril, Fashion Revolution Perú y Pulga La Tienda realizarán actividades para aprender sobre el impacto negativo del ‘fast fashion’ y cómo ser responsables dentro de la industria de la moda. Aquí la agenda.
Hace doce años, el derrumbe del edificio Rana Plaza, en Bangladesh, que dejó cientos de víctimas mortales, expuso la otra cara de la industria de la moda: una que se aleja del glamur y los lujos para mostrar las condiciones infrahumanas que puede tener un confeccionista de ropa en una fábrica textil.
Play Video Este suceso impulsó a diversos activistas alrededor del mundo a exponer las condiciones en que los grandes diseñadores y casas de moda producían sus piezas. Bajo el lema ‘Quién hizo mi ropa’, organizaciones como Fashion Revolution promueven una industria de moda justa y transparente para aprender, como consumidores, a elegir bien para vestir con conciencia.
Durante la semana de conmemoración, del 22 al 27 de abril, Fashion Revolution Perú y Pulga La Tienda han creado conversatorios y actividades gratuitas para que las personas puedan tener las herramientas para formar una industria de moda más justa, donde se resalte el valor de lo hecho a mano, se respete la ética, se conozca sobre apropiación cultural y sostenibilidad. Una oportunidad para conocer de cerca a los creadores peruanos que mantienen viva nuestra tradición textil.
Actividades durante la Semana de la Revolución de la Moda: Martes 22 de abril
Conversatorio ‘Apropiación cultural, su existencia y la necesidad de consciencia’ con Elizabeth Luna de Natural Ancestral. Inicia a las 5 p.m., a través del Instagram @fash_revperu
Jueves 24 de abril
Evento ‘Artesanía y diseño en diálogo’, organizado por Fashion Revolution Perú y la Asociación Solidaridad Países Emergentes (ASPEM). Será desde las 10 a.m. hasta la 1 p.m. en el Hub de Moda Sostenible en Gama Moda Plaza 2do nivel (Agustín Gamarra 1275, La Victoria). Requiere inscripción previa.
Taller de Upcycling, organizado por Trapos finos y Poder popular. Va desde las 4 p.m. en Pulga La Tienda (Berlín 290-3, Miraflores).
Viernes 25 de abril
Sesión de música en vivo junto a Pleito. Va desde las 4:20 p.m., en Pulga La Tienda (Berlín 290-3, Miraflores).
Sábado 26 de abril
Conversatorio ‘Prácticas textiles y activismo en la moda peruana’ con Sadith Silvano, Pamela Valle y Craps for you. Va desde las 4 p.m., en Pulga La Tienda (Berlín 290-3, Miraflores).
Domingo 27 de abril
Sesión de música en vivo junto a Karina Castillo. Va desde las 4 p.m., en Pulga La Tienda (Berlín 290-3, Miraflores).
¿Por qué estos eventos de moda son importantes? Yeraldin Morillo, coordinadora país de Fashion Revolution Perú, explica que estos eventos «reúnen a agentes de cambio, diseñadores y artesanos de la industria, medios de comunicación y activistas comprometidos con la transformación positiva de la moda».
Por su parte, Daniel Gamarra, fundador de Pulga La Tienda, indica que estas actividades nos permiten «repensar cómo nos vestimos y qué historias llevamos puestas». «En un país con una tradición textil tan rica como la nuestra, lo que vestimos sí importa. Existen hermosos proyectos disruptores del sistema que revitalizan nuestra tradición y alquimizan lo que el sistema desecha», sostiene.
