La madrugada del lunes, el mundo despertó con una noticia que estremeció a millones: el papa Francisco, de 88 años, falleció en Roma a causa de un ictus cerebral (derrame cerebral) y un colapso cardiovascular irreversible, según confirmó el Vaticano.
Jorge Mario Bergoglio, el primer papa latinoamericano y jesuita, lideró la Iglesia Católica durante 12 años con un mensaje centrado en la misericordia, la justicia social y la protección del medio ambiente.
En Huancayo, el Arzobispo Metropolitano, Mons. Luis Huamán, quien conoció personalmente a Francisco, expresó su tristeza, pero también destacó la humildad y sencillez del sumo pontífice.
“En las tres oportunidades que pude visitarlo demostró esa sencillez, esa alegría. Ese hombre de Dios que era un hombre como cualquiera de nosotros. Nos invitaba a vivir con sencillez nuestro sacerdocio y nuestra fe y sabernos que somos de este mundo”, dijo el religioso, destacando que Francisco prefirió ser enterrado de manera sencilla, en un solo ataúd, dejando de lado el tradicional entierro en tres ataúdes (uno de ciprés, un segundo de plomo y un tercero de roble).
De luto En el distrito de Sapallanga, donde las tradiciones católicas se viven con fervor, el párroco Enrique Campos compartió su sentimiento de pérdida.
“Es como perder a un padre, a un hermano. Toda la iglesia está de luto, pero eso no significa que se va a paralizar, si no que debemos seguir en lo que corresponda según lo que él quiso”, señaló Campos.
Mientras tanto, en Tarma, el Obispo Mons. Timoteo Solórzano no pudo contener las lágrimas al tocar el tema. “Tuve la oportunidad de conocerlo en un evento de formación y fue grato saludarlo. Me causa mucha tristeza ya que fue un luchador como buen jesita”, dijo con la voz entrecortada.
Legado musical Uno de los momentos más recordados por la comunidad huancaína fue cuando el grupo local Andú participó en un proyecto musical inspirado en la encíclica Laudato Si’, dedicada al cuidado del medioambiente. David Valdez, director del grupo, recordó con orgullo ese gesto del Papa.
“Nos emocionó saber que Francisco acogió con cariño nuestra propuesta musical. Su mensaje era claro: hay que cuidar la tierra como a una madre”, dijo Valdéz, sobre la canción “Queremos Vida”, que fue presentada en espacios de reflexión católica y ecológica y fue doblada a varios idiomas.
En el Perú Francisco también dejó huella en Perú con su visita en enero del 2018. Aunque no llegó a Junín, su paso por Lima, Puerto Maldonado y Trujillo fue seguido con fervor en todo el país. En la capital, ofició una multitudinaria misa en la base aérea de Las Palmas, donde reafirmó su compromiso con la Amazonía y los pueblos originarios.
Tras la lamentable noticia, fieles de la ciudad de Huancayo llegaron a las diferentes iglesias y capillas para elevar una oración por el eterno descanso del siempre recordado “papa de los pobres”.
«Me distancié de Mario Vargas Llosa por razones tontas de política», manifestó Jaime Bayly admitiendo sentirse «muy afectado» por el deceso del Nobel peruano.
Jaime Bayly rompió su silencio sobre la muerte de Mario Vargas Llosa. Por medio de su canal de YouTube, el escritor peruano, radicado en Miami, afirmó sentirse “muy afectado” por el deceso del premio nobel de Literatura el último domingo 13 de abril, en Lima.
“Por supuesto, estoy muy afectado. Yo no fui amigo de Vargas Llosa, sería una petulancia, una jactancia de mi parte decir tal cosa, pero lo conocí y lo entrevisté. Lo leí con pasión, lo defendí y después nos distanciamos. Así que nunca fui su amigo, pero estuve de su lado un largo tiempo”, comenzó diciendo el autor de Los Genios.
Seguidamente, Jaime Bayly contó que conoció a Mario Vargas Llosa en 1983 en una cena cuando era reportero del extinto diario La Prensa. Del mismo modo, recordó que lo volvió a entrevistar un año después en el programa Conexiones cuando Vargas Llosa estaba “tentado por entrar en política”.
“Tampoco fui su enemigo, pero nos distanciamos bastante y nos dijimos unas cosas que de mi parte hubiera querido no decirle (…) No podría decir yo que era su amigo. Yo era amigo de sus hijos, de Álvaro y de Gonzalo, y un poco de Morgana”, precisó.
No obstante, Bayly afirmó sentirse agradecido con Mario Vargas Llosa por hablar con una conocida editorial en España para que publiquen su primera novela No se lo digas a nadie. “De no haber sido por la intervención Vargas Llosa, esa novela nunca hubiera sido publicada en España”, enfatizó.
Por otra parte, recalcó que estuvo con Mario Vargas Llosa en algunas reuniones sociales ya que era un gran amigo de su hijo Álvaro de quien también se distanció.
“No tengo fotos con Mario Vargas Llosa. Repito, no fui su amigo. Yo fui amigo de Álvaro. ¿Y ahora soy amigo de Álvaro? No. ¿Soy su enemigo? Yo diría que no. No me considero su enemigo, pero somos examigos”, sostuvo.
¿Por qué Jaime Bayly y Mario Vargas Llosa se distanciaron? Jaime Bayly contó que hubo dos momentos que marcaron su distancia con Mario Vargas Llosa. La primera vez, según Bayly, fue cuando el autor de La casa verde apoyó abiertamente la campaña presidencial de Alejandro Toledo el 2001 mientras que él apoyó a Zaraí Toledo, hija que el exmandatario no quiso reconocer.
“Me distancié de Mario Vargas Llosa por razones tontas de política aldeana. Razones estúpidas de intrigas políticas tribales. La primera fue por Alejandro Toledo, un gran embustero, sinvergüenza y ladrón”, señaló.
De igual manera, recordó que, diez años después, tuvo otras desavenencias con Mario Vargas Llosa cuando este apoyó a Ollanta Humala para la Presidencia el 2011 mientras que Bayly fue un duro opositor de Humala Tasso.
“Tuvimos otra pelea alrededor de Ollanta Humala. En la pelea con Toledo, Mario Vargas Llosa me llamó chismoso, manipulador e intrigante. Con Humala, Vargas Llosa me llamó payaso y bufón”, comentó.
Asimismo, mencionó que la última vez que vio a Mario Vargas Llosa fue el 2016 en la Feria del Libro de Guadalajara cuando el novelista se encontraba haciendo su obra de teatro. “Quedé impresionado por la memoria portentosa de Vargas Llosa”, acotó.
Jaime Bayly: “El primer error de Vargas Llosa fue darle el puñetazo a Gabo” Para Jaime Bayly, Mario Vargas Llosa tuvo “tres errores capitales” los cuales, de acuerdo con el autor de La mujer de mi hermano, fueron dictados por “la soberbia, la vanidad y la arrogancia”.
“Su primer error capital fue darle ese puñetazo a Gabo (Gabriel García Márquez) Eso fue un acto de bajos instintos. Segundo error, dictado por la vanidad, fue ser candidato presidencial. ¿En qué estaba pensando?”, cuestionó Bayly.
En ese sentido, recalcó que el tercer error de Vargas Llosa fue dejar a Patricia Llosa, con quien estuvo casado más de 50 años, para mudarse con Isabel Presley. “Vargas Llosa tuvo mucha suerte de que Patricia Llosa lo perdonase y que lo acogiese en el apartamento de Barranco, en Lima, para que lo acompañe en sus últimos años”, opinó.
“Gracias a Patricia Llosa, Mario Vargas Llosa murió en paz y acompañado de su familia y muy en particular de su hijo Álvaro, quien dejó atrás algunos desencuentros con su padre y fue un gran hijo. Mis condolencias a la familia”, concluyó.
La feria internacional Heimtextil Colombia presentó las tendencias de diseño y textiles que regirán esta temporada y cómo adaptarlas al hogar. Aquí los detalles.
Se trata de la tendencia de diseño e interiorismo del momento que nos invita a conectar el pasado, presente y futuro. ‘Future Continuous’ (traducido del latín al español como ‘Futuro continuo’), denominado así por la feria internacional Heimtextil Colombia, propone reflexionar sobre la importancia de los textiles, desde los diversos estilos y colores, para vestir el hogar.
“‘Future Continuous’ es una invitación a ver los textiles como narración de historias. El tejido nos ayuda a hilar tramas y desentrañar lo que ha pasado históricamente en el hogar”, explica Gabriela Toro, investigadora del laboratorio de conocimiento de Inexmoda.
Aunque el término parece abstracto, los creativos han trasladado el concepto a tres tendencias que se adaptan al mercado latinoamericano con colores y estilos que promueven la sostenibilidad. RPP recorrió la feria Heimtextil Colombia en Medellín para conocer cuáles son y cómo se adaptan al mercado en este lado del continente.
Tendencias de moda para el hogar: Según Toro, las tendencias de ‘Future Continuous’ ya no se limitan al confort estético, sino que son una extensión de los valores y el estilo de los diseñadores. En Heimtextil Colombia se dividieron en tres: naturalmente irregular, aquella que cuenta con fibras orgánicas, regresa a lo artesanal y lo auténtico; radicalmente estructurado, cuya apuesta se centra en la colaboración entre lo hecho a medida y lo tecnológico; y regenerativo, una tendencia que redefine la sostenibilidad desde el uso de materiales reciclados, biodegradables y procesos de bajo impacto.
Las tendencias que promueve Heimtextil Colombia se adaptan a diversos estilos y diseños, cuya paleta de color va acorde con el mercado. Según Bibiana Castro, líder de diseño en la empresa de textiles Lafayette, estas tendencias parten de las ferias europeas y se adaptan a lo que busca el consumidor latinoamericano. “Nosotros tropicalizamos estas tendencias y vemos qué cosas ya se han adoptado, como el uso de madera cruda, por ejemplo. Entonces, esto nos permite entender que al público le gusta el estilo natural. También, tomamos en cuenta cómo iluminan sus hogares o espacios y notamos que les gusta la luz cálida, que en términos de decoración significa calma”, explica cómo un término abstracto se aterriza a estilos y diseños.
Este año, las marcas de diseño e interiorismo apuestan por el trabajo artesanal y adaptan su negocio a esta tendencia para ofrecer productos como cojines, manteles, alfombras, entre otros, que cuentan con tejidos y procesos manuales. Volver al origen de la técnica y el diseño es el camino hacia un futuro sostenible.
Alfredo Alcalde apareció como artista en los años 80 y desde entonces ha forjado una obra con perfil bajo, ajeno a las distracciones. Su obra pictórica es, en la actualidad, un motivo de inspiración para los más jóvenes. Atentos a lo que dice.
El reconocido pintor Alfredo Alcalde recibe a La República en un momento especial. Alfredo Alcalde se encuentra trabajando en cuadros de formato grande que expondrá en los próximos meses en México vía la Fundación Sebastián.
En tiempos en donde la frivolidad gana terreno en la creación, escuchar a Alfredo Alcalde nos ayuda a tener una perspectiva real de lo que se nos dice que es y que, finalmente, no es. Atentos a sus palabras.
-Desde hace un tiempo, veo y escucho a muchos jóvenes artistas que se refieren a ti como maestro.
-Posiblemente lo que haya producido una especie de ruptura, se deba a que aún nosotros somos clásicos en aferrarnos a una corriente que tiene todo un postulado, todo un manifiesto político e intelectual. En la última muestra, en la que participé, di unas palabras y señalé que era fundamental tener una trinchera en donde uno realmente haga valer sus pensamientos, sus propósitos. Yo estoy convencido de que tenemos que seguir siendo artesanos de nuestras propuestas pictóricas, sin dejar de lado el contenido de la obra, la cual cada vez tiene que ser llevada de una manera dual, con altura, con madurez y con una gran responsabilidad.
-¿A qué te refieres cuando dices artesano?
-Por ejemplo, las últimas generaciones quieren convencernos de que ser un buen dibujante es estar muy vinculado al dibujo anatómico, que solamente nos va a llevar hacia un mundo bastante hedonista, bastante simple de compenetrarte con la temática. El movimiento Romántico justamente tiene el propósito de llevarnos al camino de la comunicación por medio del arte, con obras que toquen tus emociones y amplíen tu percepción del mundo.
-Hoy en día veo mucha confusión entre la técnica y el talento.
-Pienso en los hiperrealistas, que no exactamente demuestran un talento, porque el talento es una cosa mucho más compleja, sino una habilidad y probablemente esta habilidad obedezca a que no hay un sueño con proyección, que no entiendan que el arte realmente es un compromiso, una forma de acercarnos al espectador, no solamente a los ojos sino al alma. El artista de hoy tiene que comprometerse con interpretar, de una u otra manera, todo lo que va sintiendo ese ser que va alimentándose de toda esa realidad que lo va a motivar.
-Hablamos del artista en función a un contexto y tu obra se nutre de un contexto. Lo político y la denuncia están en ella.
-El artista siempre va a ser político, no hay ninguna manifestación artística o literaria donde no esté presente el hombre político. Dejar de hablar o contemplar o reflexionar sobre la realidad actual no nos hace menos políticos. La indiferencia también te hace un ser político, pero de la otra orilla, aquella que quiere que se mantengan las cosas como están. No olvides que en Perú tenemos entre 9 y 10 millones de personas que viven en extrema pobreza y el hecho que no lo veamos no significa que no sea dramático.
-Tu obra invita a la reflexión. Estamos en tiempos en los que tenemos poco tiempo para detenernos y pensar.
-Yo invito a que, mediante el realismo, sigamos insistiendo en ser muy reflexivos, porque tanto los movimientos del pueblo y los movimientos de izquierda tienen una crisis en el mundo porque precisamente no hay un buen entendimiento de la crisis que está pasando.
-¿Cómo ves al arte hoy? No solo me refiero a Perú.
-Actualmente, en el mundo no se está haciendo un arte que trascienda. Hay muchos pintores, cada vez hay mucho más pintores, que nos van a estar llevando al mundo de la belleza formal, a los colores, a movimientos como el minimalismo y esas cosas. En la actualidad, son muy pocos los artistas que pueden tocar la fibra y nos involucren con los acontecimientos. Hace unos días leía los postulados de un gran crítico sobre la crisis de las corrientes realistas en algunos países. Decía que no solamente el Estado pone trabas a los artistas, sino también la crítica. La crítica a veces tiene unas terminologías que son muy sentenciosas, como si estuviera preocupada por el contenido y se olvidara de la parte estética. Por eso te decía que tenemos que ser buenos artesanos de nuestras propuestas pictóricas. No hay que descuidar el oficio y la técnica, son elementos que nos van a permitir expresar nuestros ideales.
-¿La crítica de arte está a la altura de los acontecimientos?
-La vez pasada conversaba con un grupo de jóvenes pintores. Les dije que los primeros críticos de su obra deben ser ustedes mismos, porque hoy no tenemos una crítica responsable. El crítico asume su rol como si fuera un trabajo y no como lo que debería ser: una misión. Muchos críticos se prestan a escribir de obras que no valen la pena.
-Es decir, no influyen como se cree.
-Hoy en día, el crítico no es decisivo en la trascendencia de una obra.
-¿Por qué se ha desgastado la figura del crítico?
-Hoy se intenta despolitizar el contenido de una obra y a partir de eso el crítico deja de tener un juicio alturado. Hace más una reflexión sobre las técnicas, la vida del artista, pero no explora la autenticidad del artista porque lo llevaría a manifestar una postura política. Arguedas escribía de arte y no se hacía problemas con manifestar su posición política.
-¿Las redes sociales dañan a los artistas?
-No es de ahora. En los 80, muchos de mis colegas recurrían a los diarios y las revistas como una posibilidad de inspiración. Debemos tener cuidado con el horizonte tecnológico, yo prefiero apostar por un horizonte de seres humanos, en donde vas a encontrar seres que tienen emociones, ilusiones, aciertos, desaciertos, errores, sueños y complejidades.
-Aterrizado en la vida.
-Yo prefiero estar abajo, con los zorros de abajo que estar arriba en el escenario, donde están las luces, y que no te dejan ver ni oler ni percibir con autenticidad lo que pasa realmente en el campo de batalla. Desde muy joven decidí estar concentrado en mi pintura. Es la obra la que va a hablar. Desconfío de los que hablan de su propia obra.
Everardo Zapata Santillana, creador del emblemático libro escolar, fue reconocido por la Biblioteca Nacional del Perú por su legado en la educación peruana.
En un emotivo acto celebrado en Arequipa, la Biblioteca Nacional del Perú (BNP) entregó al maestro Everardo Zapata Santillana la declaratoria de Patrimonio Cultural de la Nación del libro “Coquito”, obra con la que enseñó a leer a millones de escolares peruanos desde 1955.
Desde la sala editorial del autor, la jefa institucional de la BNP, Ana Peña Cardoza, destacó que esta distinción no solo garantiza la preservación de un ejemplar histórico, sino que reconoce el profundo impacto pedagógico que ha tenido “Coquito” en la formación de varias generaciones.
Zapata Santillana se convierte así en el segundo autor vivo en recibir esta declaratoria, junto al Nobel Mario Vargas Llosa. Ambos nacieron en Arequipa, ciudad que ahora los une también por su legado cultural.
La distinción fue formalizada por el Ministerio de Cultura a través de la Resolución Viceministerial N° 000081-2025-VMPCIC/MC, que resalta el valor histórico y educativo de la obra.
“Coquito” es ampliamente recordado por su enfoque didáctico progresivo y por el uso de ilustraciones a color que lo convirtieron en una herramienta clave de alfabetización. A lo largo de los años, ha sido elogiado por figuras como Jorge Basadre y Horacio Zeballos, y se ha ganado un lugar en la memoria colectiva como símbolo de la educación básica en el Perú.
La muestra incluye una bandera de la Nación Shipibo, que aboga por el ecofeminismo y la soberanía. Una invitación a repensar la regeneración de nuestro mundo alterado por la crisis ambiental.
«Non Nete», que en shipibo-konibo significa literalmente «nuestro mundo», es el concepto central que guía esta muestra. Más que la delimitación geográfica del territorio ancestral, esta noción conlleva la interdependencia de todas las formas de vida —animal, vegetal, y personas humanas y no humanas— y la interconexión de distintos reinos, como el mundo del agua y el mundo de los ideales. También tiene una dimensión temporal, significando «nuestro día» y evocando los ciclos de renacimiento y nuevos comienzos, con una perspectiva optimista hacia un futuro justo y sostenible.
El trabajo kené de Sara Flores se distingue por su uso de tocuyo y tintes naturales para crear patrones laberínticos que representan redes neuronales, espirituales y ecológicas. Estas composiciones visualizan el profundo vínculo con el medio ambiente y la ecodependencia inherente a la identidad indígena, una conexión que cobra un sentido de urgencia ante las amenazas que enfrenta la Amazonía.
En esta exposición, Flores presenta una bandera de la Nación Shipibo, la cual encarna principios de ecofeminismo y ecología profunda, proponiendo un enfoque femenino y relacional de la soberanía que contrasta radicalmente con los emblemas de la conquista.
«Sara Flores. Non Nete» es una invitación a reflexionar sobre la regeneración de un mundo profundamente alterado por el cambio climático, el extractivismo y la violencia sistémica. A través de su arte, Flores nos guía hacia una cosmología indígena que aspira al bienestar colectivo y la armonía entre todos los ámbitos de la vida.
La exposición está disponible en la sala 2 del primer piso del MALI.
¿Qué indujo a Alberto Fujimori a proceder de esa manera? ¿Propaganda?, ¿los argumentos del poeta Arturo Corcuera? No lo sabemos.
¿De qué sirve la poesía? Para responder esta pregunta tal vez nos sirva apreciar las mil y tantas aventuras de un poeta, Arturo Corcuera, que serán relatadas en una exposición virtual -web page-, a presentarse en la librería El Virrey (en Miraflores) hoy, 10 de marzo, a las 7p.m. Entrada libre.
Insistamos con la pregunta: ¿de qué sirve la poesía? Era lo que se preguntaba una desaforada generación de escritores que descubrió la vida paseando con Arturo en su rojo carro “Platero”.
César Calvo, Javier Heraud, Reynaldo Naranjo, Mario Razzetto, Germán Carnero, este testigo y otros, hablábamos de todo en ese antiquísimo Ford. Cada uno dio respuesta a la pregunta a su manera. Javier dio la más gloriosa.
Lo mismo quiso saber, en noviembre de 1992, una frutera del mercado de Chaclacayo, quien al ver a Arturo le dijo:
-Ayúdeme, señor poeta. Ayúdeme a sacar libre a mi hijo Alejandro.
Dos días atrás, el doctor Alejandro Quispe (nombre ficticio), hijo de la frutera, había recibido a una parturienta en agonías y la había atendido con éxito.
En su primer día como médico, el joven profesional acababa de salvar una vida. Y eso, aparte de satisfacciones personales, le traería buena suerte.
Quizás así lo pensó, pero se equivocaba. A la mañana siguiente, un grupo de individuos irrumpió en su consultorio. Los recién llegados buscaron por uno y otro lado. Se llevaron todo lo que encontraron y podían revender. Por fin, le informaron que iban a conducirlo a un lugar donde sería interrogado.
Cuando su madre se enteró, no pudo entender nada. “¿Preso, Alejandro y por qué?”. “Por terrorismo”, le dijeron, porque había atendido y salvado la vida a la mujer de un preso político.
Con pretextos similares, se capturó a centenares de peruanos durante el fujimorismo, fueran o no fueran participantes del conflicto interno. Muchos de ellos eran juzgados después en audiencias efímeras y condenados sin pruebas por jueces enmascarados. Quienes no lograron entonces el auxilio de organismos internacionales de justicia, han permanecido largos años de su vida encarcelados en condiciones de enclaustramiento y tortura.
¿De qué sirve la poesía? Ante la pregunta de la frutera, Corcuera buscó abogados, médicos y periodistas, pero muy pocos se atrevían a defender a Alejandro por temor de ser considerados “terroristas”. Más bien, le recomendaban prudencia. Al final, recordó que el ministro de Justicia de ese tiempo -Fernando Vega Santa Gadea- había sido su amigo de infancia, y le escribió.
Tres días después, obtuvo la respuesta. Le iban a permitir ver a Alejandro. Para ello, debía esperar en una esquina de Chaclacayo un vehículo, y hacer lo que le ordenaran.
El riesgo era grande. Ese mismo año, nueve alumnos y un profesor de la Universidad de Educación habían sido secuestrados por gente perteneciente al ejército peruano. Sus cadáveres carbonizados fueron encontrados poco después.
El poeta se atrevió. Nada dijo en casa para no asustar a Rosi, su esposa, pero a la hora indicada estaba subiendo a un carro de lunas polarizadas y, cuando estuvo adentro, no pudo creerlo. El hombre sentado a su lado era Alberto Fujimori, el sanguinario dictador del Perú.
-Usted, poeta, me va a acompañar en algunos asuntos pendientes, y después iremos a la cárcel para visitar a su amigo.
¿Qué indujo a Fujimori a proceder de esa manera? ¿Propaganda?, ¿los argumentos de Arturo? No lo sabemos. Se pasaron varias horas recorriendo pueblos en los que el dictador daba discursos y obsequiaba calendarios con su foto. Por su parte, el poeta no sabía qué hacer, tan solo pensaba en qué haría para salvar al médico.
Por fin, pasaron el río y entraron en la cárcel.
-Usted pase primero para que se salude con su amigo-, dijo Fujimori. Arturo estaba preocupado porque había tenido que decir que el preso era su médico, aunque no lo hubiera visto jamás. Respiró hondo, recordó algunos versos para armarse de valor y entró.
“Reloj despertador,
hijo apócrifo del papagayo,
pico alerta y clarinero.
¿Qué tiene el gallo
que se ha callado?
-Hay que llevarlo al relojero”.
Increíblemente, todo salió bien, y al día siguiente, el médico regresó libre a su hogar. ¿De qué sirve la poesía? Lo sabe “Noe delirante”.
Colectivos audiovisuales rechazan la ley aprobada por el Congreso y cuestionan al Ministerio de Cultura. «Despidieron al director del LUM y cancelaron la proyección de películas».
“Hagan cine con su plata”, ha sido una frase repetida desde hace más de un año en las redes sociales y hace referencia al presupuesto estatal designado cada año para el desarrollo audiovisual a través de los estímulos de DAFO. ¿Es necesario apoyar a un tipo de cine que, de otra forma, no podría producirse? En definitiva, es necesario para crear una industria cinematográfica como lo han hecho otros países de la región.
Por eso, la ley aprobada por el Congreso es calificada como “un retroceso cultural” y “una estocada”, porque, en síntesis, mantiene el presupuesto, pero lo destina a favor de lo comercial, reduce el apoyo a la producción regional y no menciona al cine indígena. Ayer, un grupo protestó en el frontis del Ministerio de Cultura.
“En el contexto actual, el Ministerio de Cultura despidió al director del LUM (Lugar de la Memoria), su equipo y se canceló toda la programación de exposiciones y eventos culturales. Hoy el futuro del LUM es incierto”, sostiene el grupo que protestó con una ‘alfombra roja’ y carteles. “El arte y la memoria se defienden”, señalan sobre lo que consideran que abre la puerta a la censura. “Entre los eventos cancelados están una exposición sobre el caso de miles de esterilizaciones forzadas, la proyección de las películas La teta asustada y La piel más temida, entre otros eventos que tocaban temáticas de género”.
Para algunos, el gremio tardó en defenderse en bloque o demoró en tomar una posición sobre la crisis política, en general. Un sector que apoya solo ‘iniciativas’ como las que presentaron las congresistas Adriana Tudela y Patricia Juárez, cuestionó a la comunidad cinematográfica en paralelo a los premios internacionales que directores y directoras han ganado en los últimos años en los festivales de Berlín, Málaga, Mar del Plata o en Karlovy Vary.
“Los partidos conservadores siempre están diciendo que con los impuestos se está financiando el ‘cine caviar’, ese es el discurso, ¿no? Pero de cada sol que se invierte, se devuelve 1,8 soles. No es un regalo, no es un bono. Además de lo económico, que no debe ser lo más importante, nosotros, como seres humanos, tenemos derechos culturales; en todo país civilizado se habla de eso. El Estado nos debe dar cultura y educación”, comentaba la directora Rossana Díaz Costa, parte del Colectivo En Defensa del Cine Peruano que agrupa a más de 70 gremios y cerca de 700 trabajadores independientes.
La llamada “ley anticine” fue aprobada por insistencia, pero los gremios audiovisuales piden que se realice una modificatoria.
La última muestra del reconocido artista plástico Moico Yaker en el MAC, “Conversaciones en el zoológico”, es distinta a lo que solemos ver últimamente. Inventiva, color, humor y conexión con el otro, entre sus valores a destacar. Moico Yaker conversa con La República.
“Creo que es una de las muestras en la que más tiempo he trabajado. Porque la empecé, junto con la pandemia, en marzo de 2020 y he parado en febrero de 2025. A medida que fue creciendo la serie, consideré que el único lugar en donde podía ser mostrada era acá, porque aquí hubo un zoológico anteriormente”, dice el reconocido artista plástico Moico Yaker sobre la génesis de su última muestra en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC): Conversaciones en el zoológico.
Es precisamente en el MAC, en Barranco, en donde La República se reúne con Moico Yaker. Como bien acaba de decir, su exposición, conformada por casi 70 pinturas entre gran, mediano y pequeño formato, solo se podía presentar en este espacio en donde funcionó un zoológico desde 1968 hasta 1992. Y la presente entrevista, también. Tras haberla visitado tres veces antes del encuentro con el artista, Conversaciones en el zoológico deja varias impresiones positivas más allá de la evidente calidad formal de las pinturas. A estas alturas de su trayectoria, subrayar la fuerza de la morfología formal de su poética, es una redundancia valorativa. Moico Yaker no es grande por eso. Lo es por trabajos como Conversaciones en el zoológico, en los que siempre tiene algo que decir.
“De niño, mi padre nos traía a este zoológico. A mí no me gustaba. Me daba un poco de pena ver a los animales enjaulados. Siempre salía de acá medio deprimido cuando veía al tigre en una jaula desesperado por su encierro. Es igual con los circos. Los circos inmediatamente me afectaban, me parecían deprimentes”, indica Moico Yaker sobre un proyecto que es una celebración de la vida sin importar si esta es humana o animal. “Hay una explosión de color”, añade el artista mientras le hacemos saber el carácter fabulesco, imaginativo, literario en todos sus aspectos.
“La literatura ha influenciado mucho en cómo enfoco mi propia narrativa en la pintura. En la secundaria, lo único que me interesaba de todo lo que estudiábamos era la literatura. En esa época leía muchísimo a Mario Vargas Llosa”. En lo dicho se puede justificar la evidente intención narrativa de Conversaciones en el zoológico. “Es como un cuento con mucho humor. Como soy un pintor cien por ciento figurativo, la figuración viene acompañada de un argumento. Durante los años en los que he trabajado con la iconografía peruana vista por las láminas Huascarán, que era el vínculo que yo tenía con lo visual, me interesaban estas historias de gloria, pero cuando enfocas la historia como tal, la gloria disminuye y te das cuenta de que es una suma que se le hace al cuento para hacer que fulano sea un héroe, el otro un mártir”, precisa Moico Yaker, quien se muestra de acuerdo con la esencia de Conversaciones en el zoológico: es un ajuste de cuentas con el Moico Yaker niño mediante un zoológico al revés, en donde los animales están libres e interactuando entre ellos.
Cuando dio inicio a la serie, Moico Yaker no pensaba en dónde la iba a exponer, esa epifanía se dio a la mitad del proceso. “Me di cuenta de que tenía que ser en el MAC, en este espacio, para que se genere una memoria del lugar. Ya había un cuerpo de obra que me permitía pensar en una posibilidad concreta”.
Debido a las circunstancias políticas, harto conocidas, y otras radiaciones por las que atraviesa el país, Conversaciones en el zoológico es una muestra distinta de las que venimos apreciando en los últimos meses, no pocas de ellas con una clara intención de denuncia o crítica. Esto no quiere decir que lo de Moico Yaker sea una escena marcada por la felicidad, pero sí, como indicamos líneas atrás, por la celebración de la vida. Lo suyo parte de un estado anímico en equilibrio y desde ahí observa lo que sucede con su obra y el lugar de esta en el contexto en el que se da.
“Es triste lo que está pasando. El Estado no se vincula al concepto de cultura donde puedes integrar literatura, artes plásticas, artes visuales, teatro, danza y música. El Estado tiene un vínculo estrecho con la cultura shipibo-konibo, las culturas de la selva, las culturas precolombinas, pero no se vincula al tema de cultura como nosotros lo vemos. Entonces, no hay ningún tipo de subsidio. Acabo de leer que quieren cerrar el Ministerio de Cultura, que tampoco tenía mucho efecto en el desarrollo de la cultura en el Perú porque probablemente, entre todos los ministerios, es el que menos presupuesto tiene. Lo veo triste. Normalmente, en los países un poco más interesados en la cultura local, en este caso las artes plásticas, como Brasil o México, hay un interés muy grande, de la población y del Estado, en lo que es la producción artística. Para que eso ocurra, tiene que haber una formación filosófica para poder entender el arte contemporáneo. Muchas de las artes actuales, como las intervenciones y las instalaciones, tienen como trasfondo una serie de pensamientos filosóficos que tendrían que estar a la mano para quienes tienen que acercarse a esto desde el Estado. Con la pintura es distinto, no tienes que saber de filosofía para entenderla. En esta muestra, hay algo directo, no está lo semiótico o lingüístico, por ejemplo”.
Qué mejor ejemplo de lo dicho que el paseo del elefante, texto narrativo y poético de Plinio el Viejo, que recorre toda la exposición, otorgándole un sentido lógico (narrativo) a los mundos lúdicos y oníricos de los animales. El elefante, por decirlo de alguna manera, es el corazón de Conversaciones en el zoológico.
“Con el elefante y con cada uno de los animales, me encuentro frente a frente. Converso con ellos y los hago conversar entre ellos. La muestra se basa en Conversación en La Catedral. Un gran amigo mío, Gustavo Buntinx, me dijo estas son conversaciones en el zoológico. Hay una integración de distintos elementos en la muestra.
“Debo confesar que yo, hasta cierto punto, he decidido dedicarme a mi universo. Porque siento que hay tal desequilibrio en lo que sucede en el Perú, desde tantos aspectos, y que hay un punto en el que decidí concretamente no envolverme con la situación y que voy a crear mi propia república, mi propio mundo, en donde yo sí tengo control. No ha habido una época en la que Perú no haya llegado al abismo. El último abismo fue la elección de Pedro Castillo, el tener como mandatario a una persona que no tenía la capacidad de serlo. No te hablo de la orientación política de Castillo. Te hablo de la incapacidad que yo sentí con el personaje y de la posibilidad de convertirnos en una Venezuela. Sentí que había un peligro, en donde el Estado tomaría un protagonismo excesivo de la vida en general y, como consecuencia, hubo una enorme fuga de capitales y muchísima gente se fue del país por miedo a que esto sucediese. No me vi tentado en dejar Perú, desde que regresé en 1982 la mejor decisión de mi vida fue quedarme en Perú. Hoy veo mucha gente talentosa y bastante actividad, mucho más que en la época que regresé, que fueron años duros y el círculo de artistas era reducido”, finaliza Moico Yaker. Un gran artista.
Las hermandades colaboraron en la puesta en valor.
Este año se conmemoran los 100 años de las torres de la Catedral de Huancayo, que es patrimonio Cultural de la Nación, debido al interior de una de ellas, por primera vez se apreciará la exposición de Belén Pasionario por Semana Santa.
El secretario de la hermandad de Jesús Nazareno, Gianpierre Peralta, manifestó que se trata de una escenificación en miniatura, de la Pasión, Vida y Muerte de Jesús, y precisamente se puede ver al interior de la torre izquierda de la Catedral, lo cual estará disponible para los asistentes a los diversos actos litúrgicos por Semana Santa.
escenas. “Empezamos con el Domingo de Ramos que es la entrada de Jesús a Jerusalén, ingresa montado en un burro y camina sobre las mantas andinas”, explicó Gianpierre Peralta. Otra escena es cuando Jesús ora en el huerto de los olivos y se le presenta un ángel.
Además está la escena cuando Jesús es apresado, conocido como el Señor de la Sentencia.
Otra escena inolvidable, es cuando Jesús está siendo juzgado mientras lo resguarda un soldado romano. Luego Jesús es condenado a muerte por Poncio Pilatos, que se lava las manos y desentiende de su destino.
Jesús avanza llevando la cruz al hombro rumbo al calvario. Además está el encuentro con la virgen de los Dolores. Y la escena más fuerte que es la crucifixión, junto a los dos ladrones crucificados. La virgen María sufre al ver a su hijo morir y luego desciende de la cruz y la virgen recibe, el cuerpo del señor, para luego ser depositado en el Santo Sepulcro. Luego se aprecia la escena cuando encuentran la tumba abierta y finalmente la resurrección del Jesucristo.
El presidente de la hermandad de Jesús Nazareno, Kevin Hernández, mencionó que se conmemora el centenario de las torres de la Catedral de Huancayo, desde que fueron puestas al servicio de la población.
Este año, después de una ardua labor de restauración y puesta en valor estará a disposición de la población.
Recordó que para restaurar implica un valor incalculable, pero ante todo destaca la colaboración de las diversas hermandades que desde pandemia poco a poco se realizaron los avances. Se tuvo que recuperar la piedras y pintar con arcilla y con materiales que eran supervisados por el Ministerio de Cultura.
Historia. La Catedral de Huancayo, es de arquitectura neoclásica cuya construcción data 1800 y culminó en 1925, fue declarada como Patrimonio Cultural de la Nación en el año 2003. Fue construida con piedras que fueron traídas desde Ocopilla y canteras de Huayucachi, edificada en base a la técnica del calicanto, donde se mezclaba cal con clara del huevo.
Se expone en una de las torres del campanario que cumplen 100 años al servicio de la población de Huancayo.
