Categoría: Música

La dupla presenta en Lima el disco en vivo ‘Desde que te Madrid’ y opinan. “La cultura siempre es resistencia y este momento es para resistir”.

La primera vez que Kevin Johansen y Ricardo Liniers compartieron un escenario fue en 2008. El historietista dibujaba mientras el argentino-estadounidense seguía el repertorio. “No sabía exactamente qué hacer. De los nervios, el pánico y la adrenalina, me salió un personaje que se hacía el gracioso y, ante la sorpresa mía la gente se reía. Al final del show, Kevin me dijo: ‘tienes que acostumbrarte a las risas y entenderlas como aplausos. Así que tenme paciencia’. Yo pensé que me iba a matar por todas las tonterías que hice y dije durante el show’”, declara a La República.

La dupla vuelve a Lima como parte de una gira en la que presentan el disco Desde que te Madrid y el libro Es nuestra forma de comunicarnos. “Me persiguió durante años, era fan. Escondía un secreto anhelo de estar en el escenario, a toda costa. Le escribió a Charly (García), a Pedro Aznar, les escribió a todos; creo que hasta al Puma Rodríguez”, bromea la voz de S.O.S. tan fashion en una pausa de sus presentaciones.

¿Cuándo nace la idea del disco Desde que te Madrid? Tienen ambos el 50% de los derechos de autoría.

Liniers: Sí, le dije que como lo que yo hacía no se escuchaba, no hacía falta ‘Kevin y Liniers grande’, con Liniers chiquito yo ya estaba feliz. Pero él me dijo: ‘no, es nuestro disco, es nuestro show, así que vamos a medias’. Era el final de una gira por Europa que habíamos disfrutado mucho. Así que me puse a dibujar porque dije: ‘bueno, ya que no se oye lo que yo hago, tengo que meter dibujos por todos lados y dibujé una historieta por cada canción del show, así que eso terminó en un libro, un disco y un vinilo’.

Johansen: Primero debo aclarar que todo lo dicho por Liniers es mentira. Estamos en litigio, tenemos contrato también de no mirarnos a los ojos. De hecho, cuando yo canto, aparentemente emocionado, con los ojos cerrados, es para no ver los dibujos que está haciendo.

¿Qué piensan de la llegada de la inteligencia artificial a la música y al arte, en general?

Johansen: Estoy muy ilusionado con la inteligencia artificial porque no me someteré más al yugo de los dibujos de Liniers. Estoy luchando a favor para que por fin pueda descartar al socio, entre comillas, que tengo.

Liniers: Ahora estamos con el síndrome del juguete nuevo. Hay cosas que antes hacían las personas que van a terminar haciendo las máquinas. Pero lo que nos tenemos que preguntar es por qué consumimos arte. Lo que nos interesa es la humanidad; no es el producto sino el proceso. Y esto de la inteligencia artificial pareciera saltarse el trabajo; a veces toma años armar un estilo, un punto de vista, una estética. Entonces, hay algo medio inmoral, me parece, en querer el resultado sin el esfuerzo de una obra artística.

Llegan a Perú en un momento de crisis social y política. Algunos artistas han protestado. ¿Qué papel cumple el arte en momentos como este?

L: Sí, desgraciadamente en Argentina también tenemos un momento político en el que la gente piensa que el arte y la cultura no tienen mucho valor, porque no le ven el valor comercial. Si puede hacer un negocio alguien haciendo cultura está muy bien, pero un Estado no es eso solamente; no somos máquinas las personas, no somos solamente el producto bruto, también somos una cultura que se va generando, ¿no? En Perú tienen arte y su literatura se seguirá leyendo. Entonces, lo que genera la cultura es algo que queda para la gente después; no es un gasto, es una inversión y, desgraciadamente, los políticos tienen una tendencia a medir todo como gasto y no entienden que una inversión puede ser algo, inclusive si uno está midiendo todo con la billetera, a futuro redituable. Porque te aseguro que Tintín a los belgas les deja mucha más plata que, seguramente, varios dueños de bancos que fundieron a gente.

J: Se sabe que la cultura siempre es resistencia y la verdad es que es un momento para resistir. El hecho creativo es un hecho de resistencia, así que estamos todos viviendo momentos complicados, momentos de mucho intento de barrer con todo, con cosas y luchas logradas. Y bueno, es el claro ejemplo que nunca hay que bajar los brazos y seguir luchando por los derechos de las personas. Todos tenemos derecho a la cultura

Fuente: Diario La República

El norteamericano Julian Schwarz es una de las nuevas figuras de la música clásica en el mundo. El violonchelista dará su primer concierto en Lima el próximo martes 5 de agosto en el Teatro Municipal. La República conversa con Julian Schwarz sobre sus inicios y el repertorio que ofrecerá en su presentación.

Pese a la situación por la que atraviesa el país, en donde la polarización, la inseguridad y las desigualdades persisten, no hay que dejar de subrayar, y en ese aspecto, La República ha incidido todas las veces posibles, que la producción cultural está transitando por un buen momento. Estamos siendo testigos de buenas temporadas de teatro, atractivos festivales de cine, muestras plásticas que consolidan a sus exponentes, producción editorial para todos los gustos y conciertos de música clásica del más alto nivel. No son manifestaciones aisladas; hay una sintonía en su colectividad. Si este buen momento existe, se debe a que hay una demanda, un público que consume cultura.

En este marco, el próximo martes 5 de agosto, hará su debut en Lima el joven violonchelista estadounidense Julian Schwarz en el Teatro Municipal de Lima, con un repertorio que incluye piezas de Camille Saint-Saëns y Antonín Dvořák. Julian Schwarz la viene rompiendo en los escenarios más exigentes del mundo y su presentación en Lima no solo cautivará a los melómanos, sino también la misma es una invitación al público en general. No se necesita ser conocedor para disfrutar del gran arte. Basta con que este transmita y suscite revoluciones internas.

Julian Schwarz nació en una familia de músicos. Su padre, Gerard Schwarz, es un reconocido director de orquesta; su madre, Jody Schwarz, es una flautista no menos saludada; y su abuelo, Sol Greitzer, fue un prominente violista de la Filarmónica de Nueva York hasta 1985. Son nombres que pueden motivar a cualquier músico, pero igualmente intimidar, en especial cuando se carga con la herencia del prestigio. Al respecto, Julian Schwarz le dice a La República:

“La música era parte integral de la vida cuando crecí. La música clásica era casi una religión, y se le daba un lugar importante y respetado en mi casa. El amor por el arte surgió de esa exposición temprana, y ahora realmente siento que mi generación (yo y mis primos) estamos continuando la tradición, como si se tratara de un negocio familiar. Mi comprensión de la música se originó en la repetición: escuchar las mismas obras una y otra vez, asistiendo generalmente a cuatro conciertos sinfónicos por semana. La música se volvió parte de mí, y mis padres se tomaron muy en serio mi educación en los aspectos técnicos e interpretativos de la música”.

El violonchelo es un instrumento especial que requiere de muchísima paciencia y constancia. Eso lo tuvo muy presente Julian Schwarz cuando se decidió por él. Su primer concierto lo ofreció a la edad de 11 años y hoy en día, a la edad de 33 años, la crítica lo reconoce como uno de los violonchelistas más destacados de su generación. En este sentido, su presencia en Lima será un catalizador para los músicos peruanos, tanto para aquellos que recién están empezando como para quienes ya tienen experiencia. Julian Schwarz, además, es profesor del Shenandoah Conservatory (Virginia) y de la NYU Steinhardt School of Music de Nueva York. Sabe, entonces, lo que es dirigirse a los alumnos y, principalmente, de sus sueños que anhelan cumplir. Para el músico, se puede perder todo, menos la pasión. “Creo que es sumamente importante que los jóvenes músicos conserven su amor por el arte. Es difícil separar el negocio del arte en muchas disciplinas, pero hay dos aspectos que deben mantenerse: el amor por la música en sí y el amor por tu propia forma de tocar. Puede ser difícil amar tu propia interpretación cuando escuchas errores y estás en constante mejora. Pero, si no te gusta cómo tocas, ¿por qué debería gustarle al público? Los jóvenes deben aspirar a sonar como quieren que suene la obra. Le diría a un niño que siempre considere esto: si suena bien, entonces está bien. Muchas veces, los alumnos se esfuerzan con la disonancia cognitiva de hacer algo “correcto” que no lleva a los mejores resultados. Si el sonido está en su cabeza, encontrarán la manera de lograrlo, incluso si el camino es poco ortodoxo. Después de muchos años enseñando, realmente veo que los roles de maestro e intérprete son inseparables. En pocas palabras, tanto la interpretación como la enseñanza se complementan en mi vida. Constantemente descubro nuevas soluciones para mi ejecución al enseñar a mis alumnos, y también puedo usar mi experiencia práctica como intérprete para ayudarlos a prepararse para sus propios conciertos. Es una relación simbiótica. No impongo un estilo de interpretación, sino que abro un mundo de posibilidades para que el estudiante lo implemente desde su propia libertad artística”, precisa el violonchelista.

Como indicamos líneas atrás, Julian Schwarz interpretará piezas de Camille Saint-Saëns y Antonín Dvořák, maestros del Romanticismo que suscitan ecos epifánicos en él: “Puedo sentir la nostalgia de Dvořák en su Concierto para violonchelo, así como su deseo de innovar con un nuevo sonido clásico estadounidense. El hecho de que una persona a la que Dvořák amaba profundamente falleciera durante la composición le añade un elemento de añoranza a la obra, algo que intento transmitir en cada interpretación. En el concierto de Dvořák, se exploran prácticamente todas las emociones humanas, desde la tristeza profunda hasta una intensa y heroica euforia. Como solista, siento que estoy hablando como el propio Dvořák, contando su historia y experimentando sus emociones. El concierto de Saint-Saëns es una pieza de concierto mucho más ligera, pensada para mostrar la virtuosidad del instrumento. Por lo tanto, su rango emocional es más limitado, pero es muy placentera de escuchar e interpretar”.

Nuestro músico no es ajeno a las redes sociales, mucho menos a lo que acaece hoy en el mundo. Una mirada a ellas nos revela a un artista deudor de su tradición y la expone en momentos en los que impera lo políticamente correcto. “Al crecer como músico clásico judío, con frecuencia actuaba en la sinagoga, tanto en contextos litúrgicos como seculares. Hay elementos cantorales en mi manera de tocar, asociados con la gran tradición del canto judío. La conexión con la música clásica judía nació de esa afinidad y he promovido obras con vínculo judío en medio del auge mundial del antisemitismo”.

Los representantes de la música clásica, no son seres de otro planeta. Tienen las mismas costumbres de las estrellas del rock y otros géneros. Julian Schwarz conoce lo que es presentarse en conciertos ante distintos tipos de público. La misma cábala la aplicará para su primer concierto en Lima: “Mis hábitos y rituales están en constante cambio, ya que siempre busco lo que funciona para mí en cada etapa de la vida. Un aspecto que mantengo es la siesta por la tarde. Como músicos, necesitamos estar enfocados y en plena forma a las 10 de la noche. Eso es difícil después de un día largo de trabajo. Una siesta reinicia el reloj, y me resulta más útil despertarme de ella lo más cerca posible a la hora del concierto”.

La gran música de Julian Schwarz está en todas las plataformas.

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Entradas: a la venta en Ticketmaster. Desde 32 soles.

Fuente: Diario La República

“Joy Division, New Order y yo” es el sensible y feroz testimonio del hoy líder de New Order. Sumner lo cuenta todo y sin exagerar.

Abundan biografías, ensayos y estudios sobre cantantes y bandas, varios de ellos genuinas Biblias. Pensemos en la más completa biografía de Elvis Presley Último tren a Memphis / Amores que matan de Peter Guralnick; en los ensayos de Simon Reynolds, quizá el pensador que no solo mejor analiza el rock, sino también quien mejor escribe de él; en las memorias de Bob Dylan; y cómo pasar por alto la labor monumental de Mariano Muniesa, cuyos ensayos y artículos vienen signados por el sello de agua de la erudición; y en el ámbito local (citaré dos títulos), destacan Pedro Cornejo y su inhallable Alta tensión y, por supuesto, Demoler de Carlos Torres Rotondo.

De la variedad de registros que genera este tema, no pocos prefieren las memorias. Hay títulos monumentales y del mismo modo fallidos, como Vida de Keith Richards, quien no nos ofrece mayores aportes de lo que ya conocemos que hizo (excesos vitales) con la legendaria banda Rolling Stones.

New Order, Joy Division y yo (Sexto Piso) vendría a ser la trastienda de los grandes sucesos que signaron el devenir del punk y el wave a finales de los 70 e inicios de los 80. Es el testimonio visceral de Bernard Sumner, quien nos ofrece su legado sin guardarse nada, característica que la podemos ver desde las primeras páginas cuando nos habla de la relación con su madre paralítica, hecho que marcó su niñez y adolescencia, el cual influyó en la música que emprendió con Peter Hook y, posteriormente, con Ian Curtis, de quien nos dice que no era el hombre deprimido y atribulado que la leyenda nos quiere seguir vendiendo para reforzar aún más la grisura existencial de los dos primeros álbumes de Joy Division: Unknown Pleasures (1979) y Closer (1980).

Curtis era un joven alegre, leía mucho y no hacía gala de su cultura libresca. Además, su sueño era tener una librería de viejo en Manchester, pero a Curtis se le descubrió la epilepsia a los 22 años. Aquello, a la postre, fue su fin a causa de los medicamentos que debía tomar para controlarla. Al respecto, resulta reveladora la transcripción de la grabación de la sesión de hipnosis a la que fue sometido Curtis, por insistencia de Sumner, dos semanas antes de su suicidio, el 18 de mayo de 1980.

Sumner no rehúye los problemas con el bajista Peter Hook, a quien califica de “Mr. Ego”. Empero, estos desbarajustes del compañerismo no impidieron que Joy Division produjera, incluso cuando el conjunto pasó a llamarse New Order en 1980, meses después de la muerte de Curtis.

Sumner no quiere cometer los errores de otros (la solemnidad y la exageración, por ejemplo), por ello, cada anécdota o perfil, como los de Tony Wilson, Martin Hannett, Rob Gretton, Johnny Marr y otros, viene precedido por un respeto a la trayectoria, una mirada seria a la tradición musical que representan.

Nuestro autor no solo se asume como uno de los artífices de un proyecto musical (guitarra en Joy Dividion y voz principal en New Order) que resistió y triunfó, sino igualmente como un privilegiado protagonista de un periodo de la historia de la música del siglo pasado.

En ese maravilloso juego de novela y biografía de Max Aub, Jusep Torres Campalans, leemos una sentencia que nos ayudaría a entender un poco más estas memorias: “Vender es venderse”. Sumner es un artista íntegro. Nunca se dejó vencer ni tentar por el poderío de la industria discográfica, la cual en más de una ocasión le sugirió flexibilizar la propuesta de la banda para captar y aprovechar la sensibilidad de las nuevas generaciones. Sus seguidores ahora lo saben: Joy Division y New Order no son un producto. Son un sentimiento.

Fuente: Diario La república

La actriz británica rompió el silencio sobre la fugaz relación de su hijo con la cantante. También lanzó una sutil crítica a la forma en que Swift transforma sus romances en canciones.

La actriz británica Denise Welch sorprendió al hablar por primera vez sobre la fugaz relación entre su hijo, el vocalista de The 1975 Matty Healy, y la estrella del pop Taylor Swift.

Durante su aparición en el programa estadounidense Watch What Happens Live, la también panelista del programa Loose Women abordó el tema con ironía y un tono despreocupado, desatando risas entre los presentes.

“Obviamente, puedo hablar de esa época bajo pena de muerte, pero ser su suegra es un rol que me alegra haber perdido”, declaró Welch, de 67 años, haciendo alusión a la intensa exposición mediática que rodeó el vínculo entre los músicos.

Aunque aclaró que no tiene nada en contra de Taylor Swift, Welch dejó entrever que la relación fue, cuanto menos, complicada. “No es que tenga algo en contra de ella, ¡para nada! Fue solo… fue complicado”, añadió.

La actriz también deslizó una crítica velada hacia la forma en que Swift suele canalizar sus experiencias personales en sus letras. “No se te permite decir nada, y luego ella escribe todo un álbum al respecto”, dijo con una sonrisa, en lo que muchos interpretaron como una referencia directa al disco The Tortured Poets Department, lanzado por Swift en abril de 2024.

El romance fugaz de Taylor Swift y Matty Healy
La relación entre Taylor Swift y Matty Healy fue una de las más comentadas del 2023. Aunque se conocieron en 2014, cuando Swift asistió a un concierto de The 1975 en Los Ángeles, no retomaron el contacto hasta años después. En mayo de 2023, diversos medios confirmaban que ambos mantenían un romance, apenas unas semanas después de la ruptura de Swift con el actor británico Joe Alwyn.

Durante ese breve período, Healy fue visto en conciertos de la gira Eras Tour y acompañando a Swift en estudios de grabación. También se les fotografió tomados de la mano en Nueva York, generando gran atención en redes sociales y medios especializados.

No obstante, la relación duró solo unas semanas. En junio de 2023, fuentes cercanas aseguraron que el romance había terminado y que nunca fue particularmente serio.

En abril de este año, Swift lanzó The Tortured Poets Department, un álbum que muchos fans interpretaron como una crónica de su relación con Healy. Canciones como Guilty as Sin?, Fresh Out the Slammer y I Can Fix Him (No Really I Can) han sido ampliamente vinculadas con el músico, aunque ni él ni Swift han confirmado dicha inspiración de forma directa.

Por su parte, Matty Healy ha evitado entrar en polémicas. Consultado por la prensa, se limitó a decir: “¿Mi diss track? Oh, no he escuchado mucho de eso, pero seguro es bueno”.

Nuevos rumbos
Tanto Swift como Healy han seguido adelante con sus vidas. La cantante mantiene una relación con el jugador de fútbol americano Travis Kelce, mientras que Healy está comprometido con la modelo y cantante Gabbriette Bechtel, a quien Denise Welch describió como “maravillosa” y “preciosa”.

“Matty lo ha tomado todo con mucha gracia. Está muy feliz con su increíble prometida, así que ya pasamos página”, concluyó Welch durante su intervención televisiva.

Fuente: Diario RPP

Mangione, ganador de dos Premios Grammy, ganó atención internacional en 1980 cuando interpretó ‘Give It All You Got’ en la ceremonia de los Juegos Olímpicos de Invierno de Nueva York.

El reconocido músico y compositor estadounidense Chuck Mangione, autor de éxitos como ‘Feels so Good’, un clásico del jazz, ha fallecido en su hogar, al norte de Nueva York, a los 84 años, informaron este jueves medios locales.

El músico, que se destacó con el fliscorno -un instrumento de viento similar a la trompeta- falleció el pasado martes mientras dormía en su natal ciudad de Rochester, pero la noticia trascendió este jueves.

Nominado 13 veces a los Premios Grammy -ganando dos de los gramófonos- Mangione ganó atención internacional en 1980, cuando interpretó ‘Give It All You Got’ en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Invierno en Nueva York.

Charles Frank Mangione, que nació el 29 de noviembre de 1940, dedicó seis décadas a la música, durante las cuales publicó 30 álbumes.

En concreto, ‘Feels So Good’, que grabó en 1978, se convirtió en uno de los más exitosos, de acuerdo con el Salón de la Fama de Rochester, del que pasó a ser parte en 2012.

La canción del mismo nombre llegó a colocarse en el puesto número 4 en la lista del Billboard Hot 100, donde se mantuvo por cinco semanas, mientras que por el álbum logró una nominación al Grammy en la categoría de Disco del Año.

El Salón de la Fama de Rochester destaca que el famoso músico creció en un hogar «impregnado» de jazz, donde él y su hermano Gap escuchaban los álbumes de su padre, que les inculcó el gusto por esta música.

Su padre les llevaba a ambos a los matinés de los domingos de los clubes de jazz en la ciudad, donde escuchaban a Miles Davis, Sarah Vaughan, Sonny Rollins y Cannonball Adderley.

Chuck, recordado por muchos por lucir siempre un sombrero, comenzó su carrera tocando con su hermano Gap, pianista, en su grupo Jazz Brothers, con el que grabaron tres discos con Riverside Records.

Posteriormente, pasó a ser parte de los Jazz Messengers de Art Blakey.

Sus dos premios Grammy los obtuvo por ‘Bellavia’ en 1977 y en 1979 por la banda sonora de la película ‘The Children of Sanchez’, por la que también obtuvo una nominación al Globo de Oro.

Fuente: Diario RPP

Ozzy Osbourne, líder de Black Sabath, contó hace algún tiempo cómo un caballo influenció en su decisión de dejar de tomar ácidos en la década de los 70.

Estrellas del rock y de la música en general expresaron su pesar por la muerte de Ozzy Osbourne, líder de la legendaria banda británica de heavy metal Black Sabbath, ocurrida el 22 de julio a los 76 años.

En sus mensajes de despedida, muchos lo recordaron a su manera; por algún encuentro, un álbum, o alguna de las múltiples anécdotas que dejó a lo largo de su vida, incluida una insólita historia que involucró a un caballo.

Ozzy Osbourne aseguró que dejó las drogas después de hablar una hora con un caballo
En agosto de 2022, Ozzy fue consultado por la oscura etapa que vivió cuando era adicto a las drogas. En entrevista con Daily Star, el músico dijo que decidió dejar de tomar ácido luego de mantener una conversación de una hora con un caballo.

El hecho ocurrió en una gira que Black Sabbath hizo en la década de 1970, en pleno apogeo de su carrera. Osbourne había tomado «10 tabletas de ácido» antes de dar un paseo.

«Solía ​​tragarme puñados de pastillas a la vez. Decidí dejar de hacerlo cuando volvimos a Inglaterra. Tomé 10 tabletas de ácido y luego salí a caminar por el campo. Terminé quedándome allí hablando con este caballo durante aproximadamente una hora. Al final, el caballo se dio la vuelta y me dijo que me fuera a la mierda», relató el ‘Príncipe de las tinieblas’ al citado medio.

Aunque suene a broma, en ese momento Ozzy Osbourne pensó: «Suficiente para mí». Y prometió no drogarse nunca más de esa manera.

Black Sabbath y el inicio de las drogas
Geezer Butler, amigo e integrante de Black Sabbath, confirmó a Classic Rock que la banda ingresó en el mundo de las drogas cuando estaban trabajando en el disco Black Sabbath Vol.4 (1972).

«Vivíamos juntos en una casa en Los Angeles, ensayábamos allí, consumíamos muchas drogas e hicimos un álbum: simple… eran buenos tiempos», comentó.

Ozzy dejó la escuela a los 15 años y realizó trabajos esporádicos, antes de juntarse en el colegio con Geezer.

Como líder de Black Sabbath y después en solitario, estuvo a la vanguardia de la escena del ‘heavy metal’, una oscura del rock duro, de la que se le considera pionero.

Fuente: Diario RPP

Se trata de un filme de 100 minutos de duración que resumirá el festival Back To The Beginning, que significó la despedida de los escenarios de Black Sabbath y de la leyenda Ozzy Osbourne, quien falleció este martes 22 de julio.

El concierto final de las leyendas del heavy metal Ozzy Osbourne y Black Sabbath, que se llevó a cabo el pasado sábado, 5 de julio, llegará a los cines a inicios del 2026. Sin duda, será un evento especial para sus seguidores, especialmente después de darse a conocer el fallecimiento del músico a los 76 años.

Ozzy Osbourne, líder de Black Sabbath, falleció
Ozzy Osbourne, el cantante y líder de la banda Black Sabbath, murió este martes, lo cual fue confirmado por su familia por medio de un comunicado. El líder de Black Sabbath dejó de existir a los 76 años y de momento no se han brindado detalles de su fallecimiento.

Estrenará último concierto de Black Sabbath en los cines
“El largometraje del concierto será una celebración en pantalla grande de Ozzy Osbourne y el legado de Black Sabbath, capturando el poder puro y el peso emocional del último concierto de Ozzy en su ciudad natal, Birmingham”, indicó la banda en sus redes sociales oficiales.

La película no solo incluirá pasajes de la despedida de los escenarios de Ozzy Osbourne y Black Sabbath, sino también resumirá las presentaciones de las bandas invitadas al festival Back To The Beginning.

“Presentada como una carta de amor a Ozzy y al sonido pionero de Black Sabbath, el estreno en cines será una versión resumida del épico evento de un día completo celebrado en Villa Park”, resaltó la organización.

La película, que llevará por título Back To The Beginning: Ozzy’s Final Bow, incluirá acceso tras bambalinas y entrevistas exclusivas a los participantes en el festival.

Cabe mencionar que, tras su estreno en cines, el filme llegará a formatos caseros, según información divulgada por el portal Variety.

Concierto final de Ozzy Osbourne y Black Sabbath recaudó millonaria cifra para la caridad
El concierto de despedida de Ozzy Osbourne y Black Sabbath, realizado el pasado 5 de julio, logró recaudar cerca de 200 millones de dólares para la caridad.

Así lo informó Tom Morello, de Rage Against the Machine, quien fue director musical del evento ‘Back to the Beginning’, que reunió a varias figuras del rock y heavy metal en el estadio del Aston Villa, de Birmingham, para homenajear a las leyendas del heavy metal.

“Nos propusimos no solo crear el día más grande en la historia del heavy metal. Recaudamos muchísimo dinero para una gran causa y muchísimos grandes músicos, bandas y fans de todo el mundo rindieron homenaje a los grandes de todos los tiempos”, destacó Morello en su cuenta de Instagram.

El dinero recaudado será entregado a tres importantes organizaciones benéficas: Cure Parkinson’s, Birmingham Children’s Hospital y Acorn Children’s Hospice.

Fuente: Diario RPP

El renombrado impulsor de la cumbia peruana murió la noche de este sábado tras sufrir un paro cardiaco, confirmaron fuentes de su familia a RPP.

La cumbia peruana despide a uno de sus más grandes artífices. Teófilo Quiroga, fundador de la orquesta Agua Marina, falleció la noche del último 19 de julio en su natal Sechura, región Piura.

Fuentes de la familia Quiroga confirmaron a RPP que el estado de salud de Quiroga Rumiche, de 92 años, se agravó debido a que sufrió un paro cardiaco.

A falta de un pronunciamiento oficial, RPP pudo conocer que la agrupación de cumbia ha decidido suspender todas sus presentaciones, incluyendo un espectáculo que iban a brindar este domingo 20 en Chimbote.

Los restos de Quiroga Rumiche vienen siendo velados en su vivienda en la calle Bolívar, en Sechura, a donde ya vienen llegando sus familiares y fanáticos para darle el último adiós. Asimismo, se alista un homenaje musical en su memoria para este lunes.

La última aparición de Quiroga junto con la orquesta se dio en marzo de 2025, durante un concierto con motivo del cierre de los carnavales en Sechura. El patriarca celebró de esta manera su cumpleaños 92 acompañado de sus hijos, José y Manuel Quiroga Querevalú.

La cumbia peruana lamenta deceso de Teófilo Quiroga
En las últimas horas, diversas orquestas de cumbia peruana se pronunciaron tras conocer el deceso de Teófilo Quiroga. El Grupo 5 envió condolencias a la familia Quiroga Querevalú, así como a los integrantes de Agua Marina.

«Recordaremos con mucho cariño al gran ser humano, empresario musical generoso y carismático, patriarca ejemplar de una prestigiosa y talentosa familia, a quien en vida tuvimos la oportunidad de agradecerle por su apoyo, enseñanzas y aporte invaluable a la cumbia en el Perú», indicaron en su cuenta de Instagram.

«Un visionario que, con esfuerzo y pasión, construyó uno de los pilares más grandes de la cumbia peruana. ¡La cumbia del Perú te rinde homenaje!», escribió la orquesta Son del Duke a través de la misma plataforma.

Corazón Serrano, La Única Tropical y La Bella Luz son otras de las agrupaciones que enviaron sus condolencias a Agua Marina y a la familia de Teófilo Quiroga.

Fuente: Diario RPP